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Consejos prácticos que te ayudarán a efectuar una buena fotografía de paisaje


Supongo que la gran mayoría de consejos que podremos leer en este artículo los habrán escrito antes que yo cientos de blogs, pero no por eso dejaré de enumerarlos a fin de refrescar la memoria sobre estos conceptos.

Primero podríamos decir que la fotografía de naturaleza, y concretamente de paisajes, es un tipo de fotografía, valga la redundancia, con la que prácticamente todos comenzamos en este mundo. Todos recordamos esas primeras tomas que hicimos recién estrenada nuestra cámara y que, por mucho empeño que pusiéramos, no nos acababan de gustar. No sabíamos concretamente en qué fallábamos. Mirábamos paisajes de fotógrafos reconocidos y no veíamos la forma de, ni tan siquiera aproximarnos a su trabajo.

Evidentemente hay un componente que no se puede enseñar. La visión artística se tiene o no se tiene. Ir caminando y “encuadrando” mentalmente no se enseña en ninguna academia. O se tiene esa sensibilidad artística o por más que leamos trucos, conceptos o tutoriales, no seremos jamás capaces de hacer algo que se pueda llamar “arte”.
Pero también es cierto que, tener una buena base técnica sobre la que apoyar nuestras fotografías, hará que nos sea más sencillo aproximarnos a las creaciones de los verdaderos monstruos de la fotografía.

Pasemos ahora a enumerar una serie de puntos que nos serán fundamentales para efectuar unas buenas fotografías de paisaje.

1- El equipo adecuado

Si pretendemos hacer buenas fotografías de paisaje, es fundamental contar con un equipo mínimo indispensable. Ahora pasaré a enumerar esos “artilugios” que nos facilitarán las cosas.

a) Objetivos

Todo dependerá del tipo de fotografía que pretendamos efectuar. Si lo que queremos es hacer una fotografía de paisaje incluyendo el máximo de escena posible, evidentemente necesitaremos un objetivo gran angular. A partir de 10 mm cualquier objetivo nos servirá en esta tarea. Objetivos con menos de 10 mm no nos resultarán útiles.
Un “ojo de pez” de 8 mm no corrige la distorsión geométrica, al contrario, la busca. Eso comportaría que las lineas horizontales y verticales saldrán desviadas, por lo que el resultado final, a pesar de ser creativo, distaría mucho de la representación real de la escena.
Hablar de la luminosidad es casi obvio. Mientras más luminoso sea nuestro objetivo, menos dependeremos de la luz ambiental para hacer la fotografía.
En el caso de que no contemos con un objetivo adecuado siempre nos quedará el recurso de unir imágenes a posteriori. Supongamos que tenemos un objetivo cuyo rango focal mínimo es más alto de lo aconsejable (por ejemplo contar con un 28-300, un 70-300 ó un 55-250). En este caso podremos ir fotografiando por zonas, para luego unir todas las fotografías en una sola panorámica con cualquier programa de edición fotográfica. AutoStitch, Calico, Hugin , por poner unos ejemplos, y evidentemente con la función Photomerge que viene incluida con el Photoshop, nos servirán para tal fin.
Aunque para efectuar este tipo de fotos panorámicas, y en general cualquier fotografía en el que la escasez de luz nos impida hacer la fotografía a mano alzada, necesitaremos un trípode.

b) Trípode

Como ya he comentado antes, si la foto que deseamos efectuar se va a hacer en bajas condiciones de luminosidad, necesitaremos contar con un trípode. Hay soluciones de emergencia en caso de haber olvidado el trípode en casa, pero no nos resultarán tan cómodas.
Pensemos en una foto que se nos ofrece a la vista por sorpresa y sin el trípode a mano. ¿Qué hacemos si la luz ya es escasa? La solución sería buscar un buen punto de apoyo donde dejar reposar la cámara mientras hacemos la fotografía. Una silla, una piedra, incluso el mismo suelo nos puede sacar de un apuro. Evidentemente si hacemos una foto a ras de suelo nos arriesgamos a sacar parte de éste en la foto. Este pequeño inconveniente se puede salvar poniendo algo bajo el objetivo y así conseguir que la cámara quede ligeramente levantada respecto al suelo. El móvil, unos filtros, una piedra……cualquier cosa nos puede valer.
Aunque en estos casos, donde tenemos que tirar de soluciones de emergencia, es aconsejable trabajar con temporizador o bloqueando el espejo para evitar “trasladar” vibraciones innecesarias a la fotografía.
He hablado del temporizador y del bloqueo del espejo, pero ¿Y si llevamos un disparador remoto?

c) Disparador remoto

Este pequeño aparato nos evitará todos los problemas/soluciones expuestos en el anterior punto. Llevando uno con nosotros, siempre nos aseguraremos de hacer fotos de larga exposición sin trasladar ningún tipo de vibración a la cámara.
Recordemos que una pequeña trepidación puede arruinar una magnifica fotografía.

d) Filtros

Los filtros son esenciales en cualquier tipo de fotografía, pero en la de paisajes es básica.
El hecho de hacer fotografías en el exterior, nos obliga a depender de las condiciones cambiantes de luminosidad en toda la escena.
Supongamos que después de haber preparado meticulosamente nuestra fotografía, de repente le da por despejarse y sale el Sol con toda su potencia.
¿Qué hacemos?
Ahora nos encontramos con una escena demasiado iluminada. Lo podemos solucionar cerrando el diafragma -de hecho un diafragma cerrado es fundamental para conseguir una mayor profundidad de campo-, pero es posible que no sea así. Cabe la posibilidad que la combinación entre la apertura de diafragma y la velocidad de obturación que nos marca la cámara para una correcta exposición no sea la que queramos para esa fotografía en particular.
Para esto tenemos los filtros de densidad neutra.
Estos filtros se caracterizan por reducir la intensidad de la luz que pasa hacia el sensor de nuestra cámara. Por lo tanto, nos permitirá trabajar con mayores tiempos de exposición.

Pongamos un ejemplo práctico. Supongamos que queremos hacer una fotografía de una cascada, río o playa, con efecto seda. Ahora pensemos que la intensidad de la luz ese día es tan grande que, aún cerrando al máximo el diafragma (f/40), el tiempo de exposición que pide la cámara es tan rápido (1/320) que no conseguimos el efecto.
Pues simplemente poniendo un filtro de densidad neutra conseguiremos que el tiempo de exposición aumente y podamos conseguir el efecto.
Tenemos diferentes tipos de filtros de densidad neutra dependiendo de la cantidad de luz que son capaces de “filtrar”. Una buena elección es tener unos ND2, ND4, ND8 y ND10, y así combinarlos según nuestras necesidades. (ND significa Neutral Density y la cifra que viene luego la cantidad de pasos de diafragma que es capaz de “cerrar”).

También podemos usar filtros polarizadores para evitar los reflejos indeseados cuando fotografiamos superficies brillantes, tales como el agua. Estos filtros cuentan con un anillo que nos permite rotar el cristal hasta conseguir evitar el reflejo.
El filtro polarizado también nos sirve si en la escena pretendemos fotografiar el cielo y el día es muy luminoso. La colocación de este filtro potencia los azules del cielo y marca con más energía el blanco de las nubes. En definitiva, se aumenta el contraste pero sacrificando un poco la luminosidad general.

El caso contrario sería el filtro de estrella.
Con estos filtros lo que pretendemos es potenciar los brillos en las superficies fotografiadas. Así conseguimos unos efectos creativos muy interesantes transformando los brillos en destellos en forma de estrella.
Dependiendo de la cantidad de aristas que creen estos filtros tendremos CS4, CS6 y CS8 (Cross Star + el número de destellos que crea).

2- Elige cuidadosamente la hora en que vas a efectuar la fotografía.

Como ya he comentado antes, las mejores horas para efectuar fotografías de naturaleza y paisajes son al amanecer y al atardecer.
La luz es un factor fundamental cuando hacemos cualquier tipo de fotografía (menuda perogrullada), y el Sol, como es evidente nuestra mayor fuente de luz. Pero cuando esa luz es especialmente agradecida es a primeras horas de la mañana y cuando el Sol se está poniendo en el horizonte. La escala de colores y los diferentes juegos entre luces y sombras harán que nuestras fotografías luzcan, y nunca mejor dicho, espectaculares.

Deberemos planificar con tranquilidad la hora en la que sale o se pone el Sol, para así poder preparar y proyectar la fotografía con tranquilidad. Llegar tarde hará que nos perdamos los mejores momentos y que posiblemente debamos volver al día siguiente.
Para estar seguros de acertar con la hora, simplemente miraremos una página sobre meteorología (por ejemplo http://www.eltiempo.es/). Allí haremos una búsqueda del tiempo en el lugar más cercano al sitio donde vamos a hacer las fotografías y veremos las horas de salida y puesta del Sol.

La paciencia será nuestra mejor compañera. No podemos pretender llegar y hacer la fotografía, eso sería como si te tocase la lotería. Es posible que debamos esperar hasta encontrar el mejor momento.

3- La regla de las cuatro tercios y el horizonte.

Esta es una regla que ya he explicado en anteriores tutoriales pero que nunca está de más recordar.

Hemos de tener presente el equilibrio entre los diferentes elementos que delimitan el horizonte. Un horizonte justo en el medio de la fotografía no es muy aconsejable.
Jugando con la regla de las cuatro tercios podremos encontrar una proporción equilibrada entre el cielo y la tierra, o entre el cielo y el mar.
Si tenemos un cielo espectacular pondremos la linea del horizonte en la primera recta imaginaria (comenzando por abajo) de nuestra fotografía, para que el cielo ocupe los dos tercios restantes.

Por el contrario, si lo que queremos es dar énfasis a la tierra o el mar respecto al cielo, debemos usar la segunda línea horizontal imaginaria. Así conseguimos que el cielo solo ocupe un tercio de la escena total y el mar o la tierra los otros dos tercios.

Otro detalle que no podemos olvidar es el de efectuar la fotografía con el horizonte completamente recto. Siempre es posible retocar a posteriori la fotografía para “enderezar” la toma, pero es mejor hacerlo bien desde el principio para luego no perder detalles deseados con el recorte. Hoy en día todos los trípodes cuentan con un nivel de burbuja que nos indica si la cámara está bien nivelada.

4- Composición de la fotografía.

Para no repetir algo que se explicó con anterioridad en otro artículo, voy a repasar de forma rápida este punto. (Para un análisis más profundo entrar aquí )

Estamos de acuerdo en que para conseguir una fotografía equilibrada necesitamos un punto central que nos sirva como eje principal y referente visual. Ese punto central lo podemos conseguir mediante la regla de los cuatro tercios. Los puntos de intersección de las dos líneas horizontales y verticales, podrán ser usados como referencia para colocar allí algún objeto o motivo que nos sirva de guía para el resto de la escena. Estos puntos de interés también podrán ser destacados mediante las líneas dominantes. Estas líneas dirigen la mirada del espectador hacia algún punto en concreto de la fotografía.

Como ya he dicho antes, para no alargar este punto es aconsejable que echéis un vistazo al artículo Composición fotográfica. Allí están todos estos conceptos extensamente explicados.

5- Juega con la profundidad de campo.

Este es uno de los puntos más importantes de este artículo. ¿Por qué?

Parece evidente ¿No? Si lo que pretendemos es hacer fotografías que nos muestren escenas de naturaleza, lo ideal es que aparezca el máximo espacio posible enfocado. Para esto debemos usar el diafragma como base para conseguirlo.

Recordando viejos conceptos, deberíamos repasar en general como afecta a la fotografía la apertura del diafragma, y en particular echar un vistazo a este artículo: ¿Qué es la distancia hiperfocal?

-A menor apertura del diafragma obtendremos más profundidad de campo (diafragma cerrado). O poniendo un ejemplo práctico: Si usamos una apertura de diafragma de f/32, conseguiremos tener una mayor zona de la fotografía enfocada, aunque necesitaremos un mayor tiempo de exposición para conseguir una toma correctamente iluminada al entrar menos luz hacia el sensor de la cámara. Como comenté anteriormente, esto, a parte de conseguir mayor zona enfocada, también nos servirá para hacer fotografías en que necesitemos captar movimiento por necesitar largos tiempos de exposición.
Efecto seda en el agua, movimiento de nubes, etc.

-A mayor apertura de diafragma menos profundidad de campo (diafragma abierto). En este caso la luz entra sin dificultad por estar el diafragma en su posición más abierta. Estaríamos hablando de aperturas f/2.8, f/3.5, etc.

Estas aperturas no son frecuentes cuando hacemos fotografías de paisajes, a no ser que pretendamos enfatizar solo una zona particular de la escena y dejar el resto desenfocado. Sería aconsejable cuando queremos dar preponderancia a un objeto en particular en detrimento del fondo.

Pero esto ya no sería fotografía de paisaje. Más bien sería fotografía de objetos con paisaje desenfocado de fondo.

6- Dispara en RAW.

Este es un consejo que habrás leído y escuchado cientos de veces. Yo seré el que lo haga la enésima vez.
Disparar en RAW te permitirá tener el control total sobre el postprocesado de tu fotografía.

Al trabajar en ese formato de imagen tendrás la posibilidad de obtener la mayor información posible captada por el sensor. Será como si estuvieras haciendo un negativo digital de tu toma.

Pero no solo esa es la ventaja que tendrás de trabajar en RAW en lugar de con JPG.
Los archivos RAW trabajan por norma general en 12 bits de profundidad de color. Esto implica disfrutar de 4.096 niveles de luminosidad distintos, contra los 256 del formato JPG.  Es evidente que el formato RAW nos dará más posibilidades de modificar nuestra fotografía a posteriori y con una pérdida de calidad menor.

Además recuerda que hemos hablado de la importancia de la luz en este tipo de fotografías, y que el Sol en este caso es nuestra principal fuente de iluminación. Qué mejor manera de controlar nuestras fotografías que modificando el balance de blancos a nuestro antojo con cualquier programa editor de archivos RAW.

Y hablando del Sol como fuente principal de este tipo de fotos, pasemos al siguiente punto.

7- ¿Solo sirven días soleados?

Por supuesto que no. Un paisaje es también un día lluvioso, nublado, nevado, etc.

La naturaleza se muestra de muchas formas potenciales y por lo tanto las posibilidades de fotografiarla es mucho más que un simple día de Sol.

Es igual de atractiva una fotografía en que aparezca un cielo nublado y lluvioso que una fotografía con un Sol espléndido surgiendo por el horizonte. De ti depende escoger el tipo de fotografía que vas a hacer.

8- Geolocalización o un GPS a mano.

Este punto no es sí mismo un consejo para hacer fotografías de paisajes, pero si es una sugerencia que te puede venir de perlas.

¿Nunca te ha pasado que te encuentras en un lugar determinado y sin esperarlo descubres una localización magnífica? Seguro que si, pero………¡¡No llevas la cámara encima!!
En ese momento maldices la hora en que saliste de casa sin tu amada cámara.
Pero no desesperes, en este caso es posible que tu móvil o el GPS salgan en tu auxilio.

Siempre tendrás la opción de marcar el punto exacto con sus coordenadas para volver en otro momento.

Y sino, también tienes la opción de navegar por las distintas páginas que hay en internet para buscar buenas localizaciones. Flickr, Picassa, etc.
Recuerda que muchos fotógrafos geolocalizan sus fotografías para que el resto de usuarios sepan el sitio exacto desde donde fue sacada.
Tu tan solo has de mirar el punto marcado, copiar las coordenadas, introducirlas en tu navegador GPS, ir al lugar………¡¡Y a fotografiar!!

Tutorial: Crear fotografías con “efecto mojado”


Hoy voy a explicar la forma de conseguir un efecto “mojado”  en los objetos o personas que fotografiemos.

En principio, este efecto nos resultará útil para fotografía publicitaria y artística, aunque también, dejando volar la imaginación, lo podremos usar de otras maneras. Por ejemplo, simulando el sudor si hacemos un primer plano de un cuerpo empapado por el calor o por un esfuerzo, o aparentando gotas de agua en una ventana.

Ahora pasaremos a explicar el material necesario para aplicar esta técnica.

Material

 Para realizar este efecto necesitaremos una serie de materiales. Unos son fáciles de encontrar y con otros es posible que tengamos algún tipo de dificultad. Ahora explicaré el por qué.

-Glicerina:

Este producto es la base para realizar este efecto. La glicerina nos permitirá añadir una densidad mayor al agua, y facilitará que las gotas se mantengan fijadas en la superficie que queramos que aparente humedad.
Para obtenerla nos tendremos que dirigir a una farmacia a comprarla. Es posible que nos pongan trabas ya que es un producto que se ha catalogado como “susceptible de ser usado para la fabricación de bombas”. No daré más pistas por si acaso.

Comentándole al farmacéutico el uso que le vamos a dar no debería haber problemas para obtenerla.

-Adhesivo en spray:

Con el adhesivo impregnaremos el objeto a fotografiar, con el fin de conseguir una fina película que fije las gotas de agua/glicerina.
Este producto lo podremos comprar en cualquier librería o tienda de manualides.

-Pulverizador:

Con el pulverizador, una vez rellenado con el líquido, conseguiremos crear las gotas que lanzaremos contra el objeto a fotografiar. Un pulverizador lo podemos obtener de forma muy sencilla. O bien lo compramos en cualquier tienda, o simplemente reutilizamos algún pulverizador vacío que tengamos por casa.

-Aceite:

Lo usaremos, sobre todo si el objeto a fotografiar es una botella de cristal, para obtener un fondo más homogéneo, y para crear un aspecto final de color dorado.

-Reflectores metálicos: Nos servirán para rebotar la luz desde la parte posterior del objeto. En este caso, también será por si fotografiamos una botella de cristal, y pretendemos hacer rebotar la luz desde atrás y que quede el líquido del interior de la botella iluminado.

Pasos a seguir

Para este tutorial tomaremos como ejemplo el truco aplicado a una botella de cristal. Seguidamente veremos los pasos a seguir.

-Aplicar el adhesivo en spray:

Podemos ver en la fotografía como la apariencia de la botella, con el adhesivo, se transforma. Adquiere un aspecto como recién sacada del congelador.

-Aplicar el aceite:

Aplicaremos, con un pincel, una fina capa de aceite. Así, como ya comenté antes, se le añade un ligero tono dorado al acabado superficial de la botella.
En la foto podemos ver a la izquierda el aspecto con adhesivo y a la derecha con el aceite aplicado.

-Pulverizar con la glicerina:

En este momento es cuando aplicamos el agua mezclada con la glicerina. Vemos que gracias a la glicerina, las gotas de agua se mantienen perfectamente adheridas a la botella y no se aprecian gotas deslizándose. La proporción que usemos entre agua-glicerina variará según nuestras necesidades. Desde una proporción 25% de glicerina-75% de agua, a otra de 50%-50%. Sobre la marcha veremos el acabado, y decidiremos si la mezcla ha sido correcta.

*Disculpad la calidad de las fotografías usadas para el tutorial. Lo he realizado un poco a contrarreloj y no he tenido tiempo de hacerlas con más detenimiento.

Cabe destacar que el uso del spray adhesivo no siempre será utilizado. Todo dependerá del tipo de fotografía que queramos hacer. Huelga decir que si lo usamos para simular sudor no lo usaremos contra el modelo, ya que no es recomendable lanzar “pegamento” contra la piel.
Ni tampoco con todas las flores puesto que dependerá de la textura que tengan los pétalos. En el caso que éstos sean aterciopelados no es necesario, puesto que la propia textura ayuda para que las gotas se mantengan fijadas. Si no es así, basta con aumentar la proporción de glicerina en la mezcla para hacerla más densa.

Ahora para finalizar os enseñaré tres fotografías para ver tal y como quedan con este efecto. Las dos primeras son meros ejemplos ilustrativos y la tercera, y última, es la que he realizado realmente de forma profesional y que publiqué para el día de Sant Jordi en mi espacio de Flickr.

http://www.flickr.com/photos/el-fotografo/5644749378/

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Cómo emular con Photoshop fotografías al estilo daguerrotipo


En el tutorial de hoy aprenderemos a editar nuestras imágenes para emular el estilo daguerrotipo con Photoshop.
Para comenzar, lo más apropiado es explicar que es un daguerrotipo y las razones para que adoptara este nombre.

¿Qué es un daguerrotipo?.

El daguerrotipo fue la primera práctica o técnica fotográfica. Su creador fue Louis Daguerre a partir de las experiencias previas de Joseph-Nicéphore Niépce. Éste último fue la primera persona que creó fotografías tal y como las entendemos, allá por el año 1816, aunque por desgracia no se conservan.
La primera fotografía que si que se conserva es la famosa “Punto de vista desde la ventana de Gras”.

Después de la difusión de esta técnica, y con una gran visión, el gobierno francés compró en julio de 1839 el procedimiento para así asegurarse que todo el mundo lo pudiera usar libremente y sin patentes.

¿En qué consistía esta técnica?

Para conseguir las imágenes se utilizaba como “negativo” una placa de plata pulida. Ya que con una cara era suficiente, se pasó a usar placas de cobre con un solo plano recubierto de plata.
Luego se sensibilizaba la placa mediante la exposición a yoduro de plata y vapor de mercurio.
Una vez conseguido esto, se introducía la placa dentro de una cámara oscura con un orificio. Este orificio permanecía tapado hasta su posterior apertura con el fin de exponer la placa a la luz y así sensibilizar los reactivos.
El gran inconveniente de esta técnica precursora es el elevado tiempo que se necesitaba para sensibilizar los productos químicos añadidos a la placa (entre 30 minutos y muchas horas). Por suerte posteriormente se mejoró la técnica y se consiguió reducir el tiempo de exposición a unos pocos segundos (entre 20-30).

-Uno de los principales problemas que nos encontraremos para emular nuestras fotografías con el estilo daguerrotipo, son las especiales características que tenían esas imágenes.
Ya que eran fotografías con una muy larga exposición, invariablemente nos encontrábamos con zonas desenfocadas debido al movimiento inevitable de los objetos fotografiados.
También deberemos añadir un cierto tono anaranjado/sepia, ya que era el tono que frecuentemente adquirían las fotografías por el degradado de los productos químicos usados para su fotosensibilización.

Ahora pasaremos a explicar los pasos necesarios para imitar el estilo daguerrotipo con Photoshop.

1-Efectuar la imagen

Si pretendemos ahorrarnos trabajo es aconsejable hacer nuestras fotografías con larga exposición, así si conseguimos captar movimiento, por ejemplo con las nubes, el agua, plantas, etc, evitaremos tener que editar zonas concretas de la imagen para conseguir el efecto de movimiento.
Si no hay otra posibilidad, seleccionaremos zonas concretas y podremos aplicar un ligero desenfoque de movimiento para conseguir el efecto.

En este tipo de fotografías el color no es algo importante, puesto que, posteriormente, y como veremos al avanzar en el tutorial, las imágenes serán pasadas a blanco y negro.

Para este tutorial utilizaremos la siguiente imagen como ejemplo:

2-Transformar la imagen a Blanco y Negro

Para ello abrimos Photoshop y cargamos la imagen. La forma en que transformemos nuestra fotografía de color a blanco y negro puede variar. Desde desaturar la imagen a usar la herramienta Blanco y negro.
Si queréis ver los diferentes modos que tenemos para ello, os invito a que leáis el anterior tutorial publicado http://fotografiaperfecta.wordpress.com/2011/02/14/tecnicas-para-convertir-tus-fotografias-a-blanco-y-negro-con-photoshop/

Como comenté anteriormente, si la fotografía que vamos a usar no fue realizada con una larga exposición, es posible que no tengamos ninguna zona donde se aprecie trepidación, movimiento o zonas desenfocadas, pero para ello podemos usar el comando Filtro>Desenfoque>Desenfoque de movimiento para así conseguir el efecto.

Una vez pasada a blanco y negro, y aplicando el desenfoque, obtendríamos una foto parecida a esta:

Apunte:

Para este tipo de fotografías es aconsejable buscar la sensación de zonas “quemadas” tal y como pasaba en los daguerrotipos antiguos. El hecho de ser fotografías de larga exposición provocaba que las zonas claras quedaran frecuentemente sobreexpuestas.
Para conseguir esto, en esta fotografía en particular, he subido los tonos rojos y amarillos y así he dejado diversas zonas sobreexpuestas.

3-Añadir textura metálica

Como comentamos al principio, este tipo de fotografías se efectuaban sobre una placa de cobre con una cara de plata pulida, por lo tanto para dar más realismo a nuestra fotografía, deberemos buscar algún tipo de textura metálica que nos ayude con el efecto.

Os voy a mostrar unos enlaces a diferentes páginas que proporcionan texturas de forma gratuita. Gracias a ellas podremos descargar la textura más apropiada sin ningún tipo de coste.

-http://www.highresolutiontextures.com/category/textures
Página con texturas gratuitas y en alta resolución.

-http://www.textureking.com/
Un buen número de texturas con gran calidad.

-http://zentextures.com/
Texturas variadas.

-http://freestocktextures.com/
Galería de texturas de altísima calidad y resolución.

-http://cgtextures.com/
Extensísimo número de texturas. Solo el pequeño inconveniente de tener que registrarse.

Hemos de recordar que el paso del tiempo provocaba daños en forma de rayas en el metal, por lo tanto lo más aconsejable es usar algún tipo de textura metálica cuya superficie se vea rayada, dañada u oxidada.

También hemos de recordar que el daguerrotipo al ser fotografía en blanco y negro necesita que la textura sea también así (en blanco y negro) o que la modifiquemos/viremos al usarla.

En este tutorial voy a usar esta textura:

El primer paso es crear una capa nueva y colocar en ella la imagen de la textura deseada.

Si la imagen de la textura es menor que la imagen que queremos transformar no hay problema. Simplemente tenemos que usar el comando Edición>Transformar>Escala y ajustamos la imagen moviendo los anclajes hasta cubrir completamente la fotografía.

Después de esto, pasamos la imagen a blanco y negro y modificamos la opacidad de la capa.
*El nivel de opacidad de la capa es variable y dependerá del acabado final que queramos dar. Además, cabe destacar que podemos conseguir efectos similares si el modo de fusión de la capa lo cambiamos a luz suave, superponer o trama, y luego jugamos con la opacidad final.

El resultado sería algo semejante a esto:

4-Añadir color

Si nos fijamos, todos los daguerrotipos tienen un cierto virado producido por la degradación de los productos químicos usados y por el paso del tiempo en la placa de plata.
Este virado suele ser de un tono anaranjado/sepia.

Para conseguir este efecto podemos usar el comando Imagen>Ajustes>Filtro de fotografía y usar un filtro caliente.
*El tanto por ciento del filtro será aproximadamente de un 85-90% para que el virado sea apreciable.

Después “pintaremos” en una nueva capa para conseguir el efecto de oxidación de la superfície metálica de plata.
Para ello crearemos una nueva capa y usaremos la herramienta pincel. El pincel ha de ser de tamaño grande y con una opacidad de entre 25-35%.

Básicamente usaremos dos tonos para colorear la capa, uno anaranjado y otro azulado.
El anaranjado puede ser f89a11 y el azulado 5e62f5 (Podéis jugar con diferentes tonalidades).
También podéis ir cambiando la opacidad del pincel para así crear diferentes niveles de color en varias zonas.

El resultado final sería una fotografía con diferentes zonas azules/naranjas, y con un fondo sepia muy aproximado a como se veían los daguerrotipos de la época.

Esta es la foto que hemos obtenido hasta ahora siguiendo los pasos del tutorial:

5-Corrección de lente

Cabe recordar que este tipo de fotografías sufrían todas de viñeteado en sus bordes (En este caso de un viñeteado luminoso).
Como bien sabéis, el viñeteado es el oscurecimiento de los extremos de la fotografía por la interposición de algún elemente extraño delante del objetivo. Puede ser producido por el parasol o por trabajar con el diafragma en su máxima apertura.

Para conseguir el efecto tan solo hemos de seguir la ruta Filtro>Corrección de Lente y allí modificamos los niveles de Viñeta y Punto Medio.

Como hemos dicho que los daguerrotipos viñeteaban con exceso de luz en los bordes, moveremos el nivel de Viñeta y Punto Medio a valores positivos. En el caso contrario (valores negativos) oscureceríamos los extremos.

Unos valores aconsejables para este efecto serían Viñeta: entre +15 y +30, y Punto Medio: entre +60 y +80

6-Desenfoque

Para acabar, podemos aplicar un ligero desenfoque gaussiano que le dará un aspecto final más aproximado al que poseían los daguerrotipos originales.

Ahora acoplamos todas las capas y duplicamos siguiendo la ruta Capa>Duplicar Capa.
En esta capa desenfocaremos aplicando el filtro desenfoque gaussiano con la ruta Filtro>Desenfoque>Desenfoque Gaussiano.
Luego movemos el control deslizante de la opacidad de la capa hasta dejarlo entre 15-20%

Y este sería el resultado final:

Y hasta aquí el tutorial. ¡A practicar!

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Daguerrotipo

http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Nic%C3%A9phore_Ni%C3%A9pce

http://es.wikipedia.org/wiki/Vi%C3%B1eteado

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