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Bracketing: ¿Qué es? ¿En qué consiste esta técnica?


Cuando hablamos de bracketing (también llamado horquillado) nos referimos a una técnica que consiste en tomar varias imágenes de la misma escena, pero variando algunos parámetros.
Podemos variar la exposición, el enfoque, la velocidad de obturación, balance de blancos, apertura del objetivo, etc.

El uso de esta técnica es recomendable cuando no tenemos claros los parámetros adecuados para nuestra fotografía. Un buen ejemplo sucede cuando intentamos hacer una fotografía y los contrastes entre luces y sombras son tan marcados que es imposible mostrar todos los detalles en la misma imagen.
Posteriormente podremos tratar todas estas tomas mediante la técnica  HDR (High Dynamic Range). Con ella fusionaremos las fotografías para que la imagen final contenga más información que cada una de ellas por separado.

La técnica del bracketing la podemos hacer de forma automática o manual.
De forma automática si disponemos de una cámara fotográfica que tenga esta opción. De forma manual si efectuamos “a mano” esas fotografías, variando los parámetros con las opciones de configuración de la cámara.

Cuando lo hacemos de forma automática, activamos una opción de nuestra cámara que realiza una serie de fotografías. Por lo general son tres: una correctamente expuesta, otra subexpuesta y por último una sobreexpuesta.

La combinación de las tres, dará el resultado de una fotografia con mayor información. Habremos conseguido compensar las zonas poco iluminadas de la fotografía y también las que tenían zonas con exceso de luz.

La opción más recomendable es hacerlo de forma automática, ya que al hacerlo de forma manual, y tener que corregir parámetros, corremos el riesgo que al efectuar la fotografía algo de la toma se mueva o modifique mientras cambiamos las opciones de la cámara, y eso arruinaría el resultado final.

A continuación veremos diferentes tipos de bracketing.

Bracketing de exposición (El más conocido y usado).

Este tipo de horquillado consiste en efectuar varias tomas con exposiciones diferentes.
Con ello pretendemos conseguir, como explicamos al inicio del artículo, varías fotografías con diferentes niveles de exposición.
Esta técnica nos permitirá escoger la fotografía que más nos convenza, o bien, si hay luces y sombras extremas, combinarlas mediante HDR para abarcar todo el rango dinámico de la fotografía.

En el caso que ninguna de las tres fotografías nos satisfaciera, tenemos la opción de combinarlas mediante HDR. Existen muchos programas para ello, Photoshop incluido, evidentemente.
Este sería un ejemplo aproximado de como quedarían las anteriores fotografías una vez combinadas:

Bracketing de enfoque

Este horquillado es usado en la fotografía macro.
Con esta técnica se intenta salvar el problema de la reducida profundidad de campo que tienen este tipo de fotografías.

Para practicar este método se han de realizar diferentes tomas variando los planos de enfoque. Con ello conseguimos varias fotografías en que se logra enfocar diferentes puntos de la imagen.
Posteriormente las combinaremos y tendremos una fotografía con una profundidad de campo ampliada.

Veamos otro ejemplo:

Este técnica, a pesar de ser recomendable para fotografía macro, no es para el único tipo que sería aplicable.
Podría ser el caso que necesitemos hacer una toma en que queramos dar igual énfasis a lo que tenemos en primer plano como al fondo. La solución sería exactamente la misma. Haríamos una fotografía de la escena, enfocando lo que tenemos en primer plano, y posteriormente modificaríamos el enfoque para conseguir que el fondo también saliera nítido. Finalizaríamos combinando ambas tomas, y así obtendríamos la imagen deseada.

También nos serviría de guía leer este artículo publicado hace un tiempo “¿Qué es la distancia hiperfocal?“.

Para finalizar, os detallo algunos programas que os servirán para unir vuestras fotografías. Photoshop (CS4 en adelante), CombineZM (gratuito), Helicon Focus (De pago/demo de 30 días), etc.

Bracketing de Flash

Con este tipo de horquillado jugamos con diferentes potencias de nuestro flash (en este caso el flash externo).
Utilizando el flash de relleno conseguimos varias iluminaciones y así podemos escoger la que más nos guste.

Bracketing de Balance de blancos

Y por último, haremos mención al bracketing del balance de blancos.
Para éste, es básico trabajar con nuestras fotografías en RAW. Así al procesar nuestras imágenes lo tendremos francamente fácil haciéndolo con Photoshop o Lightroom.

Al abrir las imágenes en Photoshop veremos como se inicia automáticamente el procesador de archivos RAW (Camera RAW). En la parte superior derecha observamos como tenemos la opción de variar el balance de blancos de nuestra imagen.
Tendremos varias opciones: automático, luz de día, nublado, sombra, tungsteno, fluorescente, flash y a medida.
Ahora tan solo nos queda escoger qué balance nos interesa más, para obtener la fotografía deseada.

Cabe recordar que también podemos cambiar el tipo de balance de blancos dentro de las opciones de configuración de nuestras cámaras. Esta opción sería a la que se refiere el artículo, ya que modificamos los parámetros en la cámara, y no en el postprocesado, como explico aquí, haciéndolo con cualquier editor de fotos en formato RAW.

Para finalizar pondré una misma imagen, pero con diferentes balances de blancos para que podamos comparar el resultado tan distinto que podemos obtener dependiendo de cuál escojamos.

Personalmente prefiero, en este caso, el resultado obtenido con el balance de blancos automático. Ahora tan solo queda probar y experimentar con nuestras fotografías, hasta encontrar el resultado final deseado.

Para finalizar…

Como siempre os comento al finalizar un artículo, tan solo nos queda experimentar, probar, tantear, estudiar e intentar todos estos trucos y tutoriales.
Jugando a prueba/error es como se adquieren los conocimientos necesarios para lograr esa foto que todos buscamos. La fotografía perfecta.

Composición fotográfica


Para empezar podemos afirmar que la única regla en la fotografía es que no hay reglas. No obstante,  tenemos múltiples normas de composición que nos ayudarán a mejorar nuestras fotografías.

En este artículo pasaremos a ver unas cuantas de estas “reglas”.

Regla de los tercios

En la fotografía, la regla de los tercios es una forma de composición para ordenar objetos dentro de la imagen.

Esta regla consiste en dividir la imagen con dos lineas imaginarias paralelas y equidistantes de forma horizontal, y dos más de forma vertical con las mismas características. Con ello conseguimos dividir la imagen en nueve fragmentos iguales.
La idea es encontrar los cuatro puntos de intersección de estas lineas, y usarlos para distribuir los objetos de la escena y también usar estos puntos para ensalzar los elementos que nos interesen.

-Puntos de Intersección

Los cuatro puntos de intersección sirven para colocar en ellos el centro de atención de la composición y así conseguir una estructura con una estética atrayente y equilibrada.
Por regla general el punto de atención (o sujeto principal) se coloca en cualquier de los cuatro puntos, y si hubiese un segundo punto de atención, éste se colocaría en el punto opuesto diagonalmente.
Pongamos un ejemplo:

-Ley del Horizonte

Otra forma de usar la regla de los tercios es la ley del horizonte cuando hablamos de paisajes. Por norma general, esto significa que usamos las líneas para ubicar el horizonte.
Si colocamos la línea del horizonte en la línea inferior (a 1/3) le damos prioridad al cielo, y si colocamos la línea del horizonte en la línea superior (a 2/3) le damos prioridad a la tierra. Esta regla rige independientemente de que la imagen la tengamos en formato horizontal o vertical.

Las líneas dominantes

Otra de las reglas que han de tener muy presente los fotógrafos son las líneas dominantes.
Éstas se usan para guiar el interés del espectador dentro de la escena fotografiada.
Se podría decir que podemos encontrar líneas dominantes en cualquier cosa.  Las podemos encontrar, horizontales, verticales, en curva u oblicuas. Aunque hay que recalcar que las diagonales y líneas en “S” son más dinámicas e imprimen más interés a nuestras imágenes.

En estas dos fotografías podemos ver como las líneas dominantes dirigen nuestra mirada y conducen nuestra atención hacia otras partes de la imagen. Así conseguimos que el ojo recorra estas líneas imaginarias y obligamos a que la atención del espectador se dirija hacia otras zonas de la fotografía.
En la primera, vemos como siguiendo las luces, nuestra mirada viaja hacia el final de la escena, y en la segunda vemos como la valla consigue que nuestra atención recorra diagonalmente la fotografía hacia el centro de la imagen.

Dentro de las líneas dominantes podríamos hacer una mención especial a dos casos especiales: la mirada y el movimiento.

-La mirada:
La mirada de una persona dibuja una línea dominante imaginaria. Esta mirada debe ser destacada y respetada por el fotógrafo. En el momento que la persona fotografiada mira hacia algún punto, el fotógrafo debe abrir el encuadre colocando a la persona a un lado y dejando un espacio libre.

-El movimiento:
Una persona o un objeto que se encuentre en movimiento también traza una línea dominante imaginaria. El trayecto también puede dotar a la imágen de una mayor fuerza expresiva. Cuando la persona u objeto penetra en la escena es recomendable abrir el encuadre y también dejar un espacio libre delante del objeto, con el fin de multiplicar y potenciar la sensación de movimiento.

Punto de vista

Partamos de la base que, por la naturaleza del ser humano, nuestra mirada se encuentra a una altura aproximada de entre 1,60/1,70 m. Nuestro punto de vista, por lo tanto, siempre está a esa altura y de forma frontal. Al ser de esta forma, obtenemos fotografías formales, descriptivas y características, pero muy alejadas de la originalidad al ser demasiado previsibles.

La alteración del punto de vista nos ayuda a obtener diferentes enfoques y matices, además de descubrir aspectos no esperados. Esto nos puede ayudar a captar más la atención del que visualice nuestras fotografías. Para ello, tenemos múltiples recursos fotográficos que pasaremos a estudiar seguidamente.

Las más utilizadas por los fotógrafos son las siguientes:

-Picado:
Las imágenes obtenidas en picado, se realizan desde una posición más alta que el elemento fotografiado.  En este tipo de tomas se ha de tener mucho cuidado al fotografiar a personas (sobre todo a niños) o animales, ya que, se tiende a deformar las proporciones, sobre todo si se fotografía muy de cerca.
Otro problema es que disminuye la importancia del objeto fotografiado y se tiende a ver de forma subordinada respecto al resto de la imagen.

-Cenital:
Este tipo de imágenes se obtienen en un ángulo totalmente perpendicular al suelo, o sea, a 90º (Desde arriba hacia abajo).
Este tipo de fotografías carecen de perspectiva al ser tomadas en un ángulo tan forzado, y además carecen de puntos de referencia visuales respecto al horizonte.

-Contrapicado:
Hablamos de contrapicado cuando la fotografía se realiza desde una posición más baja respecto al objeto fotografiado.
Con la perspectiva que se crea, el objeto se agranda visualmente, y se le imprime una sensación de poder y fuerza.
Su uso más frecuente es en fotografía de edificios, monumentos y arquitectura, aunque también se usa para tomar imágenes de personas. Es este último tipo de imágenes se confiere al sujeto una apariencia de superioridad y poderío.

-Toma a ras de suelo:
Estas tomas consisten en efectuar las fotografías al nivel del suelo o del objeto. Gracias a este tipo de fotografías conseguimos un efecto impactante al mostrar un ángulo poco frecuente e inusual. El ojo humano no está habituado a observar el mundo desde este ángulo y así logramos sorprender al espectador.

Equilibrio de los Elementos

Mientras más equilibrados estén los elementos que componen una fotografía, más agradable acabará siendo. La distribución de los elementos dentro de ella es algo fundamental.
La colocación del objeto principal es aconsejable que no esté en el centro de la toma. La razón es que esto puede crear espacios vacíos. Para corregirlo, es necesario buscar otros objetos de menor importancia para ocupar ese espacio sin referentes visuales. Lo ideal sería la inclusión de otro objeto que dotará de un equilibrio que, de otra manera, sería instintivamente descubierto por el observador.

Crear Profundidad

Partiendo de la base que la fotografía es un espacio de dos dimensiones, nos encontraremos con el problema de transmitir profundidad en nuestra imágenes.
Una solución es la de incluir objetos en primer plano para así conseguir la sensación de estar observando una imagen en tres dimensiones.
El ojo humano, reconoce estas capas y mentalmente las separa.

Formato del encuadre

La eleccion del formato del encuadre también nos ayudará en la composición final de nuestras fotografías.
El modo usual de agarrar nuestras cámaras, hace que tengamos tendencia a usar el formato horizontal, ya que es la posición en la que se encuentra el sensor de la cámara digital o la película en caso de ser cámara analógica. Esto hace que si no lo tenemos en cuenta, abusaremos de esta orientación.

Existen cinco formatos para encuadrar nuestras fotografías:

-Formato horizontal:
Este tipo de encuadre sugiere quietud, tranquilidad y suele usarse en fotografías de paisajes y en fotos de grupos. La tendencia natural es la de usar este tipo de formato, por ser la orientación normal de todas las cámaras.
Por ser el formato usualmente utilizado para fotografiar paisajes también se le conoce como formato apaisado.

-Formato vertical:
Este tipo de encuadre sugiere fuerza, firmeza y es el más utilizado para retratos. Se obtiene girando la cámara 90º. Este formato acentúa las líneas verticales y diagonales, confiriendo más contundencia a la escena y aumentando la sensación de magnitud de la toma.
Cuando fotografiamos a una persona, ya sea en primer plano o cuerpo entero, utilizaremos preferentemente este formato. Algo que debemos evitar al fotografiar a personas es dejar un excesivo espacio por encima de la cabeza o separarnos demasiado  para incluir el fondo.

-Formato inclinado:
Este formato se obtiene inclinando la cámara en un ángulo intermedio entre el horizontal y el vertical. Este encuadre transmite dinamismo y se usa principalmente para obtener fotografías creativas, ya que se sale de los cánones más aceptados.

-Formato cuadrado:
Este formato es el que presenta las mismas medidas tanto verticales como horizontales. Para obtenerlo debemos modificar físicamente la fotografía recortándola, o bien usando un editor fotográfico, en caso de ser un archivo digital, para redimensionar la imagen.
Usualmente se usa en fotografía científica por ser el tipo de formato que transmite la información de forma más aséptica y limpia.

-Formato panorámico:
Este formato es el que se caracteriza por ser desproporcionadamente ancho respecto a la altura de la imagen. Se suele usar para fotografía paisajística.
Gracias a las cámaras digitales y a los programas de edición, podemos unir varias fotografías para conseguir imágenes en este formato.
Otra opción es la de usar objetivos llamados “ojo de pez”. Estos objetivos tienen una desventaja, y es que distorsionan enormemente los extremos de la imágen, aunque conseguimos fotografías de gran valor artístico precisamente por esa deformación.

Ésta última fotografía fue realizada tras la unión de cinco imágenes mediante un programa de edición fotográfica.

Simetría y patrones

Estamos rodeados por la simetría y los patrones, tanto naturales como provocadas por el hombre, y que pueden hacer composiciones muy llamativas, sobre todo en situaciones inesperadas.
Otra forma de mejorar la composición es romper esta simetría o patrón de alguna manera. Por ejemplo, introduciendo un punto focal en la escena que rompa con las pautas dominantes de la imagen.

Enfoque total o selectivo

El enfoque es otro de los recursos que podemos utilizar para mejorar la composición de nuestras fotografías. Según el tipo de enfoque podemos resaltar a nuestra voluntad diferentes planos de la escena.
Con la apertura de diafragma y el tiempo de exposición podemos variar a nuestro antojo la profundidad de campo, y por lo tanto modificar el enfoque, aunque esto es algo que se tratará más adelante en otro artículo.

En el enfoque total intentamos que toda la escena esté, valga la redundancia, enfocada. Es un tipo de enfoque muy recomendable cuando no queremos resaltar ningún motivo en especial  de la imagen respecto al resto. Para ello jugamos con la profundidad de campo, usando la menor apertura de diafragma de nuestra cámara.
Normalmente estos enfoques son recomendables en paisajes.

En el enfoque selectivo intentamos destacar algún objeto respecto al resto. Para esto, reducimos la profundidad de campo y enfocamos el motivo que deseamos enfatizar. Gracias a esto evitamos que el observador se distraiga con elementos no deseados.
Hay un truco que podemos usar si queremos conseguir este efecto. El truco consistiría en fijar el objeto deseado mediante el bloqueo del enfoque (pulsando el botón de nuestra cámara hasta la mitad), luego desplazamos el objetivo para buscar el encuadre deseado y finalmente pulsamos el botón de la cámara hasta el final.
Así conseguimos destacar el motivo que queríamos y dejamos el resto de la escena desenfocada.

Enmarcado

Observando lo que nos rodea, podemos comprobar como en el mundo hay múltiples objetos que pueden actuar como marcos de nuestras fotografías. El arco de una ventana, el ojo de una barandilla, árboles, agujeros…Un sinfín de elementos que al colocarlos al borde de nuestras fotografías nos ayuda a aislar el motivo principal del resto.

Cropping

A veces vemos como el tema principal se pierde dentro del desorden del entorno. Para esto podemos usar el cropping. Esta técnica consistiría en recortar el motivo principal e ignorar el resto de información.

Habría varias formas de hacerlo. La más sencilla sería efectuarlo a priori, o sea, hacer zoom directo hacia lo que queremos destacar, y si lo hacemos a posteriori, deberíamos reencuadrar y recortar el motivo escogido.

El movimiento

Otro de los recursos que tenemos para dotar a nuestras fotografías de más dinamismo es jugar con el movimiento.
Algo paradójico si contamos con que la esencia de la fotografía es “congelar” escenas en movimiento.

Este movimiento lo podemos modificar jugando con la apertura del diafragma y la velocidad de obturación (además de otros parámetros).

Los dos efectos más frecuentes en relación al movimiento son:

-Congelación:
Este efecto consiste en conseguir que una objeto que se encuentra en movimiento quede completamente congelado. Es decir, la idea es proporcionar al espectador la visión de un instante que normalmente captaría en movimiento.

-Desplazamiento:

Con este efecto pretendemos captar el movimiento de una parte de la escena respecto al resto, que queremos que permanezca congelada.
Hay que dejar un tiempo de exposición lo suficientemente lento para que el movimiento quede patente en la imagen.  Al conseguirlo, obtendremos una toma donde una parte quedará completamente congelada, y otra zona donde se apreciará el movimiento.
Con un barrido fotográfico también se puede conseguir efectos parecidos.
Este efecto consistiría en fotografiar a un objeto en movimiento siguiéndolo con la cámara, consiguiendo que dicho objeto quede nítido y el resto de la escena movida.

Y ahora a experimentar con nuestras cámaras.

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