Espacio dedicado a la fotografía

Archivo para septiembre, 2010

Fotógrafos: Isabel Muñoz


Isabel Muñoz es una reconocida fotógrafa barcelonesa nacida el 1951.

En el año 1970, a punto de cumplir veinte años,  se traslada a Madrid donde comienza a descubrir su pasión por la fotografía. Allí decide convertir su afición en profesión, y en 1979 comienza a cursar estudios fotográficos en Photocentro*.

Allá por el año 1981 comienza su trayectoria haciendo encargos para prensa y publicidad.
Poco después conoce a Tote Trenas, quien la introduce en la fotografía para cine. Eso le permite trabajar en películas como Sal Gorda (Fernando Trueba) y Penumbra.

Durante el perído 1982-86 decide ampliar sus estudios en Nueva York. Allí se matricula en Visual Studios, donde estudia collage con John Wood y cianotipos con Martha Madigan.
Su preocupación por hallar un soporte idóneo para reproducir la piel, la llevan a proseguir sus estudios en Maine con Craig Stevens (platinos), Robert Steinberg (albumen), y con Neil Seilkirk (la luz). Posteriormente regresa a Nueva York para estudiar el gran formato en el ICP (International Center of Photography).

En el año 1986 regresa a Madrid y expone por primera vez en el Instituto Francés.
La exposición lleva por título “Toques”.

La técnica utilizada por Isabel Muñoz para la realización de sus obras es la platinotipia.
Esta técnica obtiene copias monocromas por contacto con materiales sensibilizados con sales de platino y hierro, tras un revelado con oxalato.

Posteriormente, desde el año 1990 hasta el 2007 se dedica a recorrer mundo con su cámara, consiguiendo maravillosas instantaneas, que ahora pasaremos a mostrar.
Estas fotografías van desde el estudio de los bailes y danzas propios de cada país, a la arquitectura, la forma en que algunas tribus se expresan a través de su piel  o la denuncia de las injusticias sociales sobre los más desfavorecidos.

Para comenzar esta primera serie, veremos trabajos realizados en Cuba, utilizando como principal motivo la danza en todas sus expresiones. Desde bailes populares y tradicionales, a la danza más clásica y académica.

—->También efectúa fotografías del Ballet Nacional de Cuba

Otras de sus fotógrafías que se podrían enmarcar en la temática del baile y la danza, fueron realizadas en Turquía, Kenia con los Masai Maras y en Camboya con la danza Khmer.

Aquí veremos unos buenos ejemplos.

También ha efectuado fotografías cuya temática ha sido el flamenco y la capoeira. Sin olvidar su espléndida serie de fotografías al Ballet de Víctor Ullate.

En otro de sus viajes, concretamente a China, tiene la oportunidad de fotografiar la escuela de circo de Beijing, y hacer un estudio sobre las artes marciales en una escuela Shaolin.

Aprovechando su estancia en Camboya, también hizo una serie de fotografías para denunciar la esclavitud y los mutilados por culpa de las minas antipersonas.

También viaja a Etiopía, dónde fotografía a sus innumerables tribus.
¿La razón?. Busca a todas las tribus que usan la decoración corporal como forma de expresión. Aquí inmortaliza con su cámara a los Surma, Nyangaton, Hammer, Banna, Bodi, Cursi, Karo y Nuer.
Estas fotografías están llenas de fuerza expresiva y belleza. Véamos algunas.

Siguiendo con la temática del lenguaje corporal, se va a El Salvador para fotografiar a las tribus urbanas. Allí hace un extenso estudio fotográfico sobre las “Maras”.

Viendo su basta obra, comprobamos la indudable calidad técnica de sus fotografías y el extremo dominio de las imágenes en blanco y negro.

Y para finalizar, merece una mención especial el hecho de que haya mostrado su obra en algunas de las principales salas y centros de exposiciones del Mundo.
Sin olvidar sus colaboraciones con otros artistas y la publicación de 41 libros hasta la fecha.
Todo esto le ha hecho ocupar un lugar destacado dentro del mundo de la fotografía.

*Photocentro: Inaugurada en 1975. La sede se estableció en un precioso chalet de dos plantas, propiedad que, la familia Fierro, tenía en la Plaza de la República Argentina de Madrid. Las obras de adecuación de los espacios y el interiorismo, fueron diseñados por el ahora prestigioso arquitecto Antonio Riviere. En la planta baja se ubicaron el distribuidor, despacho de dirección, el Photo bar, la Photo Galería, la Photo Tienda y la Photo Biblioteca. En la planta superior, las aulas de la Photo Escuela, los despachos de administración, sala de profesores y un aula polivalente con una cabina de proyección entre un pequeño graderío. En la planta sótano, se situaron el laboratorio profesional, el plató y los laboratorios de la Photo Escuela. La edificación disponía también de un jardín, con accesos interiores y, a través de una puerta de carros situada en la calle de Carbonero y Sol. La entrada principal dotada de un magnífico porche con columnas, se situaba en la parte oeste de la plaza de la República Argentina.
http://www.ucm.es/info/univfoto/num3/villasante.htm

Página oficial de Isabel Muñoz http://www.isabelmunoz.es/

Enlaces de documentación:

http://es.wikipedia.org/wiki/Isabel_Mu%C3%B1oz y la propia página de la artista.

Artículo: Propiedad Intelectual en fotografía y los derechos de autor.


1-Introducción

Seguro que en un momento u otro nos hemos planteado los derechos que tenemos sobre las fotografías que realizamos y cómo la Ley de Propiedad Intelectual (Desde ahora LPI) resguarda a estos derechos. Pues bien, en este artículo se pretenderá dar una explicación pormenorizada sobre como regula la propiedad intelectual a nuestras fotografías y los derechos que tenemos sobre éllas.

Comencemos explicando que nuestras fotografías son creaciones intelectuales, y como tales, están sujetas a unos derechos.
Para ser definidas como creaciones debemos partir de la base de que nuestras fotos han de tener originalidad y tener una distinción artística.
Para entender esto, debemos acudir al artículo 1 de la LPI que reza así: La propiedad intelectual de una obra literaria, artística o científica corresponde al autor por el solo hecho de su creación.

Para tener aún más claros nuestros derechos, debemos acudir a la LPI dónde el artículo 10.1 nos dice: Son objeto de propiedad intelectual todas las creaciones originales literarias, artísticas o científicas expresadas por cualquier medio o soporte, tangible o intangible, actualmente conocido o que se invente en el futuro….
Y en el apartado h cuando desglosa a qué tipo de obras se refiere, añade el punto que nos interesa:
Las obras fotográficas y las expresadas por procedimiento análogo a la fotografía.

2-¿Obras fotográficas o meras fotografías?

Aquí deberíamos hacer una distinción, ya que no todas las fotografías son obras fotográficas. El artículo 128 de la LPI diferencia entre obras fotográficas y meras fotografías.
En este último caso, sin perjuicio de los derechos sobre estas fotografías que tuviéramos, se entienden como meras fotografías las que carecen de cualquier viso creativo o intelectual.

3-Originalidad de nuestras fotografías

¿Cómo distinguimos más claramente entre obras fotográficas y meras fotografías?
Para establecer si hay obra fotográfica o mera fotografía deberíamos estudiar más atentamente el nacimiento de dicho trabajo.
Hemos de suponer que para considerar a una fotografía como obra fotográfica, la deberíamos valorar como un trabajo complejo, en el que intervienen la creatividad, habilidad, destreza y conocimientos en materia fotográfica del propio fotógrafo.
También que el fotógrafo dé un paso al frente y pretenda crear una obra que vaya más allá de la mera reproducción de un acontecimiento, acto o escena. Sin ese propósito no sería suficiente para considerarla obra fotográfica.
Nos son indiferentes las motivaciones de dicha fotografía, el destino pensado, su valor económico o  su simbolismo. Lo realmente importante, y que nos permitirá distinguir entre obra fotográfica y mera fotografía, es la voluntad inequívoca del autor en crear una obra artística.

Esta es un empresa subjetiva, lo sabemos, pero es la única manera que tenemos de diferenciarlas.

4-Derechos sobre nuestras fotografías

Pasemos a estudiar cuáles son los derechos que le corresponden al autor de una obra fotográfica.
Debemos apuntar que estos derechos no son los mismos para las meras fotografías.
De los derechos que corresponden a las obras fotográficas tan sólo tres son reconocidos a las meras fotografías.
Estos derechos están explicados en el artículo 128 de la LPI. Nos estamos refiriendo a los derechos de reproducción, distribución y comunicación pública.
También debemos añadir que: –Este derecho tendrá una duración de veinticinco años computados desde el día 1 de enero del año siguiente a la fecha de realización de la fotografía o reproducción.
No así como a las obras fotográficas, donde el artículo 26 de la LPI, nos dice: Los derechos de explotación de la obra durarán toda la vida del autor y setenta años después de su muerte o declaración de fallecimiento.

5-Derechos del autor de la obra fotográfica

Los principales derechos del autor de la obra fotográfica se podrían dividir en dos, que a continuación pasaremos a desglosar y explicar.

5.1-Los derechos de explotación

La LPI da al autor, en este caso al fotógrafo, el derecho económico en exclusiva sobre su fotografía, atribuyéndole cualquier derecho de explotación, de tal forma que nadie sin su autorización puede lucrarse de su obra.
El fotógrafo, como apunta el artículo 2 de la LPI,  tiene el derecho exclusivo a la explotación de su obra, sin más limitaciones que las establecidas en la Ley. Ya que la propiedad intelectual está integrada por derechos de carácter personal y patrimonial, que atribuyen al autor la plena disposición de su obra.

El método habitual de explotar económicamente las fotografías se podría dividir en dos: Reproducción y distribución.

La reproducción

Entenderíamos como reproducción la obtención de copias de nuestra obra. Debemos distinguir entre copia con ánimo de lucro y copia privada, ya que, esta última, al estar exenta de intención de beneficiarse económicamente, no sería de ningún modo ilegal.
También debemos tener claro que, cuando hablamos de copia, nos referimos a copia total, parcial o de parte de nuestra fotografía.

La distribución

La forma más frecuente de distribución sería la venta y puede referirse tanto al original como a las copias.

5.2-Los derechos morales

Los derechos morales los podemos encontrar en el artículo 14 de la LPI. Cabe destacar que estos derechos son irrenunciables e inalienables.

Este artículo de la LPI expresa claramente el derecho del autor a decidir la forma en que se ha de divulgar su obra, determinar si tal divulgación ha de hacerse con su nombre, bajo seudónimo o signo, o anónimamente, exigir el reconocimiento de su condición de autor de la obra y exigir el respeto a la integridad de la obra e impedir cualquier deformación, modificación, alteración o atentado contra ella que suponga perjuicio a sus legítimos intereses o menoscabo a su reputación.

Estos serían los principales derechos morales, entre otros, que el artículo 14 recoge en su texto.

Pero además, si desarrollamos un poco el punto 3 de dicho artículo, entendemos que en toda obra fotográfica ha de aparecer claramente la autoría de dicha obra.

También es necesario destacar el derecho de impedir que nadie, bajo ningún concepto, altere ni modifique nuestras obras.
Y, sobre todo, que estos derechos perduran durante toda la vida del autor y setenta años después de su fallecimiento.

6-Derechos sobre la mera fotografía

Como apuntábamos antes, debemos distinguir entre obra fotográfica y mera fotografía.
También señalamos que los derechos que protegen a la mera fotografía están más delimitados y restringidos.

Estas restricciones a los derechos de las meras fotografías se limitan a tres.

-Reproducción

-Distribución

-Comunicación pública

Estos derechos aparecen reflejados en los artículos 18, 19 y 20 de la LPI. Por lo tanto, ni tienen derechos morales, ni derecho de transformación (art. 21), ni tampoco cualquier otra forma distinta de explotación.

7-Duración de los derechos

Como, también, comentábamos antes, la duración de los derechos de explotación de las obras fotográficas rigen durante toda la vida del autor y 70 años después de su fallecimiento (art.26).

8-Limitaciones a esos derechos

A pesar de que hasta ahora habíamos conocido los derechos que todo fotógrafo posee, también hemos de recalcar que existen unos límites que están bien definidos.
Si analizamos el artículo 31.2 de la LPI podemos leer como expone: No necesita autorización del autor la reproducción, en cualquier soporte, de obras ya divulgadas cuando se lleve a cabo por una persona física para su uso privado a partir de obras a las que haya accedido legalmente y la copia obtenida no sea objeto de una utilización colectiva ni lucrativa.
Todo esto sin perjuicio de la compensación equitativa prevista en el artículo 25. Dicho artículo nos informa de la obligación de compensar de forma justa al creador de la obra fotográfica.

Otra de las limitaciones a los derechos de los fotógrafos son los derechos a la propia imagen (a la imagen de la persona fotografiada).
Pero para no extenderme en este tema, podéis pasar por esta otra entrada donde se explica con suficiente profundidad. https://fotografiaperfecta.wordpress.com/2010/01/07/articulo-guia-legal-para-fotografos-breve/


Y para finalizar, y abundando en uno de los anteriores artículos, y que también podréis ver aquí https://fotografiaperfecta.wordpress.com/2009/11/30/articulo-%C2%BFpuedo-hacer-esa-fotografia/ , otra de las limitaciones que nos podemos encontrar es en el uso posterior de las fotografías.

Se puede efectuar cualquier tipo de fotografía de obras situadas en parques, calles o vía pública, incluso museos, pero siempre con el límite de no tener afán de lucro ni intención de beneficio económico posterior.

Fuente: http://noticias.juridicas.com/base_datos/Admin/rdleg1-1996.html

Citas célebres de fotógrafos


Citas célebres de fotógrafos.

Robert Capa

-“Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas es por que no estás lo suficientemente cerca.”

Imogen Cunningham

-“¿Cuál de mis fotos es mi fotografía preferida? Una que voy a hacer mañana.”

Emmet Gowin

-“La fotografía es una herramienta para tratar con cosas que todos conocen pero que nadie presta atención. Mis fotografías se proponen representar algo que ustedes no ven.”

Henri Cartier-Bresson

-“Tus primeras 10.000 fotografías serán tus peores fotografías.”

-“Para mi, la fotografía es el reconocimiento simultáneo, en una fracción de segundo, de la importancia de un acontemiento, así como una precisa organización de las formas que da a ese acontecimiento su expresión apropiada.”

-“El fotógrafo no puede ser un espectador pasivo, no puede ser realmente lúcido si no está implicado en el acontecimiento.”

-“La fotografía es para mí el impulso espontáneo de una atención visual perpetua, que capta el instante y su eternidad. El dibujo, por su grafología, elabora lo que nuestra conciencia ha captado en ese instante. La foto es una acción inmediata, el dibujo, una meditación.”

Ansel Adams

-“No tomas una fotografía. La haces.”

-“Tener doce fotografías buenas en un año es una muy buena recolecta.”

-“Hay dos personas en cada fotografía: el fotógrafo y el espectador.”

-“El componente más importante de una cámara son los 30 cm tras ella.”

Garry Winogrand

-“Si veía algo a través de mi visor que me resultaba familiar, hacía algo para cambiarlo.”

Elliott Erwitt

-“No pasa nada mientras estás sentado en casa. Siempre que puedo me gusta llevar una cámara conmigo a todos los lados……así puedo disparar a lo que me interesa en el momento preciso.”

William Albert Allard

-“Tienes que pedirte más a ti mismo. Tienes que empezar a buscar fotografías que nadie más pueda hacer. Tienes que coger tus herramientas e ir más allá.”

Peter Lindbergh

-“Se atrevido, se diferente, se poco práctico, se cualquier cosa que asegure tu objetivo y tu visión imaginativa frente a los jugadores seguros, las criaturas comunes, los esclavos de lo ordinario.”

Alfred Eisenstaedt

-“Lo más importante no es la cámara, sino el ojo.”

Ernst Hass

-“Sólo estás tú y tu cámara. Los límites en tu fotografía están en tí mismo, ya que lo que vemos es lo que somos.”

Arnold Newman

-“Muchos fotógrafos piensan que si compran una cámara mejor serán capaces de hacer mejores fotos. Una cámara mejor no hará nada por ti si no hay nada en tu cabeza o en tu corazón.”

David Lachapelle

-“La gente dice que las fotos no mienten, las mías lo hacen.”

Berenice Abbott

-“La fotografía sólo puede representar el presente. Una vez fotografiados, el sujeto se convierte en parte del pasado.”

-“La fotografía ayuda a la gente a ser vista.”

Diane Arbus

-“La fotografia es un secreto de un secreto. Cuanto mas te dice, menos sabes“

Fotógrafos: Elliott Erwitt


Elliot Erwitt nació en París en 1928 en el seno de una familia de emigrantes rusos. Sus primeros años de vida transcurrieron en Italia, aunque en 1939, a la edad de diez años se trasladó a vivir junto a su familia a Francia.
A los dos años se traslada definitivamente a Estados Unidos, residiendo en Nueva York, para finalmente asentarse en Los Angeles.

A pricipio de los años 50, Erwitt se muda a vivir de nuevo a Nueva York. Dónde, después de viajar por prácticamente todo el mundo, acabó estableciéndose definitivamente.

Mientras estudia en la Hollywood High School, Erwitt trabaja en un laboratorio revelando copias firmadas de estrellas de cine para sus fans. En 1949, sus viajes a Italia y Francia, marcan el inicio de su carrera profesional. En 1951 continúa trabajando como fotógrafo para diversas publicaciones.

En uno de sus viajes de exploración a Nueva York para encontrar trabajo, antes de comenzar el servicio militar, tiene la suerte de conocer a Edward Steichen, Robert Capa y Roy Stryker, a quienes gusta su trabajo y acaban convirtiéndose en sus mentores.

En 1953, justo después de salir del ejército, Elliott Erwitt es invitado a formar parte de Magnum Photo por Robert Capa, uno de sus fundadores. En 1968 se convierte en presidente de la prestigiosa agencia y será reelegido dos veces más.

Su obra es extensa y fructífera.
Una característica principal de sus creaciones es el tono irónico con el que las impregna. Esa particular visión de la fotografía nos ha permitido ver creaciones llenas de humor e ingenio.
Un buen ejemplo, son las fotos mostradas a continuación:

También tiene una larga serie de fotografías con el perro como motivo principal. En estas imágenes juega frecuentemente comparando al dueño con su can. Su particular forma de encuadrar les da un aire especial y divertido. En la mayoría de los casos, el perro es el centro de la toma y no el amo.

Veamos algunos ejemplos.

También cuenta con numerosas fotografías de personajes destacados de su época.
Como por ejemplo:

Che Guevara

Marilyn Monroe

Simone de Beauvoir

Erwitt además, usa su cámara para hacer denuncia social con diferentes instantaneas. Criticando el racismo imperante en EE.UU, o denunciando la durísima vida de veteranos de la Guerra de Korea.

Y para finalizar, os dejo otras imágenes y un video de este magnífico fotógrafo, dónde podremos ver la calidad de sus obras. La expresividad y emotividad conseguidas, y sobre todo la increible capacidad de conmovernos con unas fotografías, aparentemente, sencillas.

Un poco más, en su página oficial en Magnum
http://www.magnumphotos.com/Archive/C.aspx?VP=XSpecific_MAG.PhotographerDetail_VPage&pid=2K7O3R14C5ZB&nm=Elliott%20Erwitt

 

Información recopilada desde:

http://es.wikipedia.org/wiki/Elliott_Erwitt

http://www.halurodepixel.com/2010/08/elliott-erwitt-fotografia-documental-y-humor.html

http://toies.wordpress.com/2010/04/19/elliott-erwitt/

http://www.elliotterwitt.com/lang/es/index.html

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Fotógrafos: Robert Mappelthorpe


El fotógrafo Robert Mapplethorpe nació en Nueva York un 4 de noviembre de 1946 y falleció en Boston un 9 de marzo de 1989.

Alcanzó fama y celebridad por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, fundamentalmente de flores y desnudos. Sus trabajos, con un alto contenido sexual, generaron numerosas polémicas a lo largo de su carrera fotográfica.

Robert Mapplethorpe es considerado hoy por hoy uno de los fotógrafos más controvertidos y polémicos del siglo XX. Cursó estudios superiores en el Pratt Institute de Brooklyn desde 1963 a 1970, donde produjo obras de arte en una variedad de medios de comunicación. No utilizaba aún sus propias fotografías, pero en sus obras incorporaba muchas imágenes fotográficas que conseguía de varias fuentes, incluyendo páginas arrancadas de libros y revistas.

Comenzó a experimentar con una cámara Polaroid que le fue regalada por un amigo, creando imágenes íntimas y únicas de su círculo de amigos y conocidos: artistas, músicos, estrellas del porno y personajes anónimos que visitaban los clubes más underground de Nueva York. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico.

En 1975, adquirió una cámara Hasselblad, y a partir de entonces se apartó del estilo “instantánea” de la Polaroid y se dedicó a la creación de imágenes compuestas y controladas meticulosamente, acentuando la belleza formal de sus composiciones.

Sus primeras polaroids consisten en autorretratos

También hizo una serie de retratos de su amiga , la cantante-artista-poeta Patti Smith

En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica.

Aquí pongo unos ejemplos de sus obras.

-Desnudos:

-Bodegones de flores:

-Artistas y celebridades:

Mapplethorpe produjo una obra consistente que se esforzaba por el equilibrio y la perfección, lo que le colocó entre los principales artistas del siglo XX. Aproximadamente un año antes de su muerte, ya enfermo, Mapplethorpe ayudó a fundar la Robert Mapplethorpe Foundation, Inc. Robert Mapplethorpe falleció en la mañana del 9 de marzo de 1989, en un hospital de Boston,Massachusetts, por complicaciones derivadas del sida, a los 42 años de edad. Sus cenizas fueron enterradas en la tumba de su madre, en Queens, Nueva York. Su nombre no aparece en la lápida, marcada con la palabra Maxey.

La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sado-masoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento.

En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.

El X Portfolio de Mapplethorpe provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment (Robert Mapplethorpe: el momento perfecto), una exposición itinerante financiada por National Endowment for the Arts. El X Portfolio incluye algunas de las más explícitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en su ano.

Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la American Family Association, aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno para lo que llamaban “nada más que la sensacional presentación de material posiblemente obsceno”. Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la “Guerra Cultural Americana”. La exhibición de El momento perfecto en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de “obscenidad y pornografía infantil”. Aunque tanto Barrie como el Centro de Arte Contemporáneo fueron absueltos, una de las consecuencias fue la demostración de lo amenazadoras que las imágenes de homosexualidad masculina podían resultar para el público norteamericano.

Sus fotografías sexualmente cargadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación.

Otro escándalo se suscitó cuando la Corcoran Gallery of Art de Washington D.C. se negó a recibir una exposición de Mapplethorpe, luego de haber acordado su realización. Los responsables de la galería no habían visto las obras de Mapplethorpe y éste decidió presentar los trabajos inéditos “Sexually suggestive” (Sexualmente sugestivas). El debate llegó hasta algunos congresistas que se alarmaron de tantos músculos y penes. Fue entonces cuando salió al ruedo el artista pop Lowell Nesbitt Blair, quien dijo que si el museo no aceptaba las obras el cambiaría su testamento donde les legaba un millón y medio de dólares, cosa que tuvo que hacer porque la Corcoran Gallery mantuvo su negativa. Las fotos, de todas maneras, fueron proyectadas como diapositivas en la fachada de la galería como un acto de protesta organizado por varios artistas y luego se expusieron en las salas del Proyecto de Washington para las Artes, que fue visitada por 4.000 personas.

Y para finalizar, dejo aquí otras de sus obras que, por su interés estético, creo que pueden ayudar a entender mejor la obra de este gran fotógrafo.

Fuentes del artículo:

http://mariagimenez.wordpress.com/2010/07/26/robert-mapplethorpe-3/

http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Mapplethorpe

http://www.fotomundo.com/nota.php?id=1486

Tutorial para fotografía nocturna de larga exposición


Frecuentemente nos encontramos con el problema de hacer fotografías nocturnas, y no saber exactamente el tiempo preciso de exposición.

Mientras intentamos hallar ese tiempo, moviendo los mandos de nuestra cámara, vemos como llegamos al modo Bulb sin tener clara la duración exacta.

Esto es, que sabemos que como mínimo necesitaremos 30’’ pero nada más.

El fotómetro de la cámara nos avisa que la fotografía saldrá subexpuesta, ¿Qué hacemos?

Para saber como solventar este inconveniente  tenemos un truco que nos servirá para conocer el tiempo de exposición necesario.

Como estamos hablando de fotografía nocturna, sobra decir que necesitaremos trípode y disparador automático.

Una vez tengamos clara la fotografía que queremos y la encuadremos, nos dispondremos a mirar los parámetros que nos marca la cámara.

Supongamos que trabajamos con la máxima apertura de diafragma posible de nuestro objetivo, para captar el máximo de luz posible (en este caso a f/2,8), y a velocidad ISO-100 puesto que no queremos sacrificar la nitidez de nuestra fotografía, subiendo la velocidad ISO y provocando un exceso de grano.

El truco consiste en subir la velocidad ISO de nuestra cámara hasta el máximo nivel que nos permita (Por ejemplo, pensemos que forzando la ISO llegamos a 3.200).

Movemos el dial hasta que el fotómetro de la cámara nos indica que la exposición es la correcta y vemos que nos da un resultado de 15’’.

Ahora cambiamos de nuevo la ISO hasta 100 y contamos los puntos de luz que hemos bajado al disminuir la ISO.

Para entender todos estos datos, es fundamental tener claros las distintas velocidades ISO y las diferentes aperturas de diafragma.

Velocidades ISO:

100 − 200 − 400 − 800 − 1600 − 3200

Apertura de diafragma:

1.4 − 2 − 2.8 − 4 − 5.6 − 8 − 11 − 16 − 22

->Con toda seguridad en nuestras cámaras fotográficas, tenemos velocidades ISO y aperturas intermedias, pero para este truco para fotografía nocturna, necesitamos las velocidades y aperturas reales.

Sigamos….

Recordemos que hemos hecho la medición con velocidad ISO-3200, apertura focal de f/2.8 y que el resultado nos ha dado 15’’ para obtener una correcta exposición.

De ello obtenemos que hemos disminuido la velocidad ISO cinco veces. O sea, cinco puntos.

De 3200 a 1600 (Un punto)

De 1600 a 800 (dos puntos)

De 800 a 400 (tres puntos)

De 400 a 200 (cuatro puntos)

De 200 a 100 (cinco puntos)

Sabiendo esto, ahora debemos multiplicar el tiempo que hemos obtenido midiendo con ISO-3200 (que fueron 15’’) por 2, tantas veces como hayamos disminuido los puntos de luz (fueron cinco pasos).

Esto es, 15’’ x 2 x 2 x 2 x 2 x2 = 480’’ (O lo que es lo mismo. Multiplicar 15’’ por 2 a la quinta potencia, que es 32).

De lo que resulta que para hacer una fotografía a ISO-100 con apertura de diafragma de f/2.8, debemos hacer la fotografía con un tiempo de exposición de 480’’ (8 minutos).

También cabría la posibilidad de que quisiéramos modificar la apertura de diafragma para aumentar la profundidad de campo.

Si pasáramos de f/2.8 a f/11, esto implicaría que, como marca el sentido común, disminuiríamos la cantidad de luz que incidiría en el sensor. Por lo tanto necesitaríamos más tiempo de exposición para hacer una fotografía correctamente expuesta, valga la redundancia.

Esto implicaría bajar cuatro pasos (cuatro puntos de luz).

De f/11 a f/8 (Un paso)

De f/8 a f/5.6 (Dos pasos)

De f/5.6 a f/4 (Tres pasos)

De f/4 a f/2.8 (Cuatro pasos)

Por lo tanto, deberíamos multiplicar, el tiempo hallado con el truco anterior, que fue 480’’,  por 2 elevado a la cuarta potencia.

480’’ x 16 = 7680’’ (128 minutos).

Evidentemente estas cifras solo son ejemplos, ya que estar más de dos horas haciendo una sola fotografía ni es práctico ni habría paciencia suficiente.

Por cierto, cabe recordar que para hacer una fotografía de larga exposición sin tener que estar con el botón pulsado durante toda élla, es fundamental bloquear el espejo para evitar vibraciones no deseadas.

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