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Tutorial: Crear fotografías con “efecto mojado”


Hoy voy a explicar la forma de conseguir un efecto “mojado”  en los objetos o personas que fotografiemos.

En principio, este efecto nos resultará útil para fotografía publicitaria y artística, aunque también, dejando volar la imaginación, lo podremos usar de otras maneras. Por ejemplo, simulando el sudor si hacemos un primer plano de un cuerpo empapado por el calor o por un esfuerzo, o aparentando gotas de agua en una ventana.

Ahora pasaremos a explicar el material necesario para aplicar esta técnica.

Material

 Para realizar este efecto necesitaremos una serie de materiales. Unos son fáciles de encontrar y con otros es posible que tengamos algún tipo de dificultad. Ahora explicaré el por qué.

Glicerina:

Este producto es la base para realizar este efecto. La glicerina nos permitirá añadir una densidad mayor al agua, y facilitará que las gotas se mantengan fijadas en la superficie que queramos que aparente humedad.
Para obtenerla nos tendremos que dirigir a una farmacia a comprarla. Es posible que nos pongan trabas ya que es un producto que se ha catalogado como “susceptible de ser usado para la fabricación de bombas”. No daré más pistas por si acaso.

Comentándole al farmacéutico el uso que le vamos a dar no debería haber problemas para obtenerla.

Adhesivo en spray:

Con el adhesivo impregnaremos el objeto a fotografiar, con el fin de conseguir una fina película que fije las gotas de agua/glicerina.
Este producto lo podremos comprar en cualquier librería o tienda de manualides.

Pulverizador:

Con el pulverizador, una vez rellenado con el líquido, conseguiremos crear las gotas que lanzaremos contra el objeto a fotografiar. Un pulverizador lo podemos obtener de forma muy sencilla. O bien lo compramos en cualquier tienda, o simplemente reutilizamos algún pulverizador vacío que tengamos por casa.

Aceite:

Lo usaremos, sobre todo si el objeto a fotografiar es una botella de cristal, para obtener un fondo más homogéneo, y para crear un aspecto final de color dorado.

Reflectores metálicos: Nos servirán para rebotar la luz desde la parte posterior del objeto. En este caso, también será por si fotografiamos una botella de cristal, y pretendemos hacer rebotar la luz desde atrás y que quede el líquido del interior de la botella iluminado.

Pasos a seguir

Para este tutorial tomaremos como ejemplo el truco aplicado a una botella de cristal. Seguidamente veremos los pasos a seguir.

-Aplicar el adhesivo en spray:

Podemos ver en la fotografía como la apariencia de la botella, con el adhesivo, se transforma. Adquiere un aspecto como recién sacada del congelador.

-Aplicar el aceite:

Aplicaremos, con un pincel, una fina capa de aceite. Así, como ya comenté antes, se le añade un ligero tono dorado al acabado superficial de la botella.
En la foto podemos ver a la izquierda el aspecto con adhesivo y a la derecha con el aceite aplicado.

-Pulverizar con la glicerina:

En este momento es cuando aplicamos el agua mezclada con la glicerina. Vemos que gracias a la glicerina, las gotas de agua se mantienen perfectamente adheridas a la botella y no se aprecian gotas deslizándose. La proporción que usemos entre agua-glicerina variará según nuestras necesidades. Desde una proporción 25% de glicerina-75% de agua, a otra de 50%-50%. Sobre la marcha veremos el acabado, y decidiremos si la mezcla ha sido correcta.

*Disculpad la calidad de las fotografías usadas para el tutorial. Lo he realizado un poco a contrarreloj y no he tenido tiempo de hacerlas con más detenimiento.

Cabe destacar que el uso del spray adhesivo no siempre será utilizado. Todo dependerá del tipo de fotografía que queramos hacer. Huelga decir que si lo usamos para simular sudor no lo usaremos contra el modelo, ya que no es recomendable lanzar “pegamento” contra la piel.
Ni tampoco con todas las flores puesto que dependerá de la textura que tengan los pétalos. En el caso que éstos sean aterciopelados no es necesario, puesto que la propia textura ayuda para que las gotas se mantengan fijadas. Si no es así, basta con aumentar la proporción de glicerina en la mezcla para hacerla más densa.

Ahora para finalizar os enseñaré tres fotografías para ver tal y como quedan con este efecto. Las dos primeras son meros ejemplos ilustrativos y la tercera, y última, es la que he realizado realmente de forma profesional y que publiqué para el día de Sant Jordi en mi espacio de Flickr.

http://www.flickr.com/photos/el-fotografo/5644749378/

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Cómo emular con Photoshop fotografías al estilo daguerrotipo


En el tutorial de hoy aprenderemos a editar nuestras imágenes para emular el estilo daguerrotipo con Photoshop.
Para comenzar, lo más apropiado es explicar que es un daguerrotipo y las razones para que adoptara este nombre.

¿Qué es un daguerrotipo?.

El daguerrotipo fue la primera práctica o técnica fotográfica. Su creador fue Louis Daguerre a partir de las experiencias previas de Joseph-Nicéphore Niépce. Éste último fue la primera persona que creó fotografías tal y como las entendemos, allá por el año 1816, aunque por desgracia no se conservan.
La primera fotografía que si que se conserva es la famosa “Punto de vista desde la ventana de Gras”.

Después de la difusión de esta técnica, y con una gran visión, el gobierno francés compró en julio de 1839 el procedimiento para así asegurarse que todo el mundo lo pudiera usar libremente y sin patentes.

¿En qué consistía esta técnica?

Para conseguir las imágenes se utilizaba como “negativo” una placa de plata pulida. Ya que con una cara era suficiente, se pasó a usar placas de cobre con un solo plano recubierto de plata.
Luego se sensibilizaba la placa mediante la exposición a yoduro de plata y vapor de mercurio.
Una vez conseguido esto, se introducía la placa dentro de una cámara oscura con un orificio. Este orificio permanecía tapado hasta su posterior apertura con el fin de exponer la placa a la luz y así sensibilizar los reactivos.
El gran inconveniente de esta técnica precursora es el elevado tiempo que se necesitaba para sensibilizar los productos químicos añadidos a la placa (entre 30 minutos y muchas horas). Por suerte posteriormente se mejoró la técnica y se consiguió reducir el tiempo de exposición a unos pocos segundos (entre 20-30).

-Uno de los principales problemas que nos encontraremos para emular nuestras fotografías con el estilo daguerrotipo, son las especiales características que tenían esas imágenes.
Ya que eran fotografías con una muy larga exposición, invariablemente nos encontrábamos con zonas desenfocadas debido al movimiento inevitable de los objetos fotografiados.
También deberemos añadir un cierto tono anaranjado/sepia, ya que era el tono que frecuentemente adquirían las fotografías por el degradado de los productos químicos usados para su fotosensibilización.

Ahora pasaremos a explicar los pasos necesarios para imitar el estilo daguerrotipo con Photoshop.

1-Efectuar la imagen

Si pretendemos ahorrarnos trabajo es aconsejable hacer nuestras fotografías con larga exposición, así si conseguimos captar movimiento, por ejemplo con las nubes, el agua, plantas, etc, evitaremos tener que editar zonas concretas de la imagen para conseguir el efecto de movimiento.
Si no hay otra posibilidad, seleccionaremos zonas concretas y podremos aplicar un ligero desenfoque de movimiento para conseguir el efecto.

En este tipo de fotografías el color no es algo importante, puesto que, posteriormente, y como veremos al avanzar en el tutorial, las imágenes serán pasadas a blanco y negro.

Para este tutorial utilizaremos la siguiente imagen como ejemplo:

2-Transformar la imagen a Blanco y Negro

Para ello abrimos Photoshop y cargamos la imagen. La forma en que transformemos nuestra fotografía de color a blanco y negro puede variar. Desde desaturar la imagen a usar la herramienta Blanco y negro.
Si queréis ver los diferentes modos que tenemos para ello, os invito a que leáis el anterior tutorial publicado https://fotografiaperfecta.wordpress.com/2011/02/14/tecnicas-para-convertir-tus-fotografias-a-blanco-y-negro-con-photoshop/

Como comenté anteriormente, si la fotografía que vamos a usar no fue realizada con una larga exposición, es posible que no tengamos ninguna zona donde se aprecie trepidación, movimiento o zonas desenfocadas, pero para ello podemos usar el comando Filtro>Desenfoque>Desenfoque de movimiento para así conseguir el efecto.

Una vez pasada a blanco y negro, y aplicando el desenfoque, obtendríamos una foto parecida a esta:

Apunte:

Para este tipo de fotografías es aconsejable buscar la sensación de zonas “quemadas” tal y como pasaba en los daguerrotipos antiguos. El hecho de ser fotografías de larga exposición provocaba que las zonas claras quedaran frecuentemente sobreexpuestas.
Para conseguir esto, en esta fotografía en particular, he subido los tonos rojos y amarillos y así he dejado diversas zonas sobreexpuestas.

3-Añadir textura metálica

Como comentamos al principio, este tipo de fotografías se efectuaban sobre una placa de cobre con una cara de plata pulida, por lo tanto para dar más realismo a nuestra fotografía, deberemos buscar algún tipo de textura metálica que nos ayude con el efecto.

Os voy a mostrar unos enlaces a diferentes páginas que proporcionan texturas de forma gratuita. Gracias a ellas podremos descargar la textura más apropiada sin ningún tipo de coste.

http://www.highresolutiontextures.com/category/textures
Página con texturas gratuitas y en alta resolución.

http://www.textureking.com/
Un buen número de texturas con gran calidad.

http://zentextures.com/
Texturas variadas.

http://freestocktextures.com/
Galería de texturas de altísima calidad y resolución.

http://cgtextures.com/
Extensísimo número de texturas. Solo el pequeño inconveniente de tener que registrarse.

Hemos de recordar que el paso del tiempo provocaba daños en forma de rayas en el metal, por lo tanto lo más aconsejable es usar algún tipo de textura metálica cuya superficie se vea rayada, dañada u oxidada.

También hemos de recordar que el daguerrotipo al ser fotografía en blanco y negro necesita que la textura sea también así (en blanco y negro) o que la modifiquemos/viremos al usarla.

En este tutorial voy a usar esta textura:

El primer paso es crear una capa nueva y colocar en ella la imagen de la textura deseada.

Si la imagen de la textura es menor que la imagen que queremos transformar no hay problema. Simplemente tenemos que usar el comando Edición>Transformar>Escala y ajustamos la imagen moviendo los anclajes hasta cubrir completamente la fotografía.

Después de esto, pasamos la imagen a blanco y negro y modificamos la opacidad de la capa.
*El nivel de opacidad de la capa es variable y dependerá del acabado final que queramos dar. Además, cabe destacar que podemos conseguir efectos similares si el modo de fusión de la capa lo cambiamos a luz suave, superponer o trama, y luego jugamos con la opacidad final.

El resultado sería algo semejante a esto:

4-Añadir color

Si nos fijamos, todos los daguerrotipos tienen un cierto virado producido por la degradación de los productos químicos usados y por el paso del tiempo en la placa de plata.
Este virado suele ser de un tono anaranjado/sepia.

Para conseguir este efecto podemos usar el comando Imagen>Ajustes>Filtro de fotografía y usar un filtro caliente.
*El tanto por ciento del filtro será aproximadamente de un 85-90% para que el virado sea apreciable.

Después “pintaremos” en una nueva capa para conseguir el efecto de oxidación de la superfície metálica de plata.
Para ello crearemos una nueva capa y usaremos la herramienta pincel. El pincel ha de ser de tamaño grande y con una opacidad de entre 25-35%.

Básicamente usaremos dos tonos para colorear la capa, uno anaranjado y otro azulado.
El anaranjado puede ser f89a11 y el azulado 5e62f5 (Podéis jugar con diferentes tonalidades).
También podéis ir cambiando la opacidad del pincel para así crear diferentes niveles de color en varias zonas.

El resultado final sería una fotografía con diferentes zonas azules/naranjas, y con un fondo sepia muy aproximado a como se veían los daguerrotipos de la época.

Esta es la foto que hemos obtenido hasta ahora siguiendo los pasos del tutorial:

5-Corrección de lente

Cabe recordar que este tipo de fotografías sufrían todas de viñeteado en sus bordes (En este caso de un viñeteado luminoso).
Como bien sabéis, el viñeteado es el oscurecimiento de los extremos de la fotografía por la interposición de algún elemente extraño delante del objetivo. Puede ser producido por el parasol o por trabajar con el diafragma en su máxima apertura.

Para conseguir el efecto tan solo hemos de seguir la ruta Filtro>Corrección de Lente y allí modificamos los niveles de Viñeta y Punto Medio.

Como hemos dicho que los daguerrotipos viñeteaban con exceso de luz en los bordes, moveremos el nivel de Viñeta y Punto Medio a valores positivos. En el caso contrario (valores negativos) oscureceríamos los extremos.

Unos valores aconsejables para este efecto serían Viñeta: entre +15 y +30, y Punto Medio: entre +60 y +80

6-Desenfoque

Para acabar, podemos aplicar un ligero desenfoque gaussiano que le dará un aspecto final más aproximado al que poseían los daguerrotipos originales.

Ahora acoplamos todas las capas y duplicamos siguiendo la ruta Capa>Duplicar Capa.
En esta capa desenfocaremos aplicando el filtro desenfoque gaussiano con la ruta Filtro>Desenfoque>Desenfoque Gaussiano.
Luego movemos el control deslizante de la opacidad de la capa hasta dejarlo entre 15-20%

Y este sería el resultado final:

Y hasta aquí el tutorial. ¡A practicar!

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Daguerrotipo

http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Nic%C3%A9phore_Ni%C3%A9pce

http://es.wikipedia.org/wiki/Vi%C3%B1eteado

Tutorial: Fotografiar humo


Hoy vamos a explicar la forma más adecuada de fotografiar humo. Especificaremos el material necesario y la colocación de la luz, la cámara y la fuente de humo para conseguir el resultado deseado.

Con toda seguridad, los materiales precisos los podremos encontrar sin dificultades en nuestro propio hogar.

Con este tutorial veremos lo sencillo que es obtener fotografías impresionantes y asombrosas con poco esfuerzo.

Comencemos.

Materiales necesarios.

-Un trípode.

-Un fondo negro.

-Un flash externo, o una fuente de luz fuerte.

-Barritas de incienso, cerillas o cigarros.

-Un disparador remoto.

¿Cómo conseguir el humo?

Para producir el humo suelo usar cigarros o barritas de incienso. Personalmente prefiero las barritas de incienso, puesto que me permite encender varias al mismo tiempo, y así conseguir varias fuentes de humo simultaneas.

Habrá momentos en que el humo subirá de forma regular en un solo hilo, para esto tenemos el pequeño recurso de soplar sobre la barrita de incienso para provocar su división.

Si estamos durante mucho tiempo fotografiando, la habitación donde estemos corre el peligro de llenarse de humo, así que es aconsejable ir parando de vez en cuando, para airearla y así sanear el ambiente.

Iluminación

Para iluminar el humo tenemos dos opciones. O iluminamos la escena con una fuente de luz externa (de forma lateral respecto a la cámara), o usamos un flash externo (preferiblemente con cable sincro o trigger).

Lo idoneo es colocar la fuente de luz de forma lateral y directamente hacia la zona donde hemos ubicado la fuente de humo.

Fondo

Aquí es necesario colocar un fondo completamente negro. Lo recomendable es usar algún tipo de tela negra, ya que así los posibles reflejos y destellos se verán absorbidos.

También podríamos usar una cartulina negra, pero corremos el peligro que los destellos del flash aparezcan, y obtengamos fotos con distintos niveles de iluminación.

Esquema

Este sería el esquema aproximado que quedaría al montar todos los objetos necesarios para efectuar la fotografía del humo.

Parámetros de la Cámara fotográfica

-Enfoque

Para este tipo de fotografías deberemos usar el enfoque manual. Evidentemente al ser un objeto en movimiento, el enfoque automático se nos volvería loco intentando captar el humo.

Un truco bastante útil es el de poner un objeto, como por ejemplo un lápiz, justo en la zona por donde sube el humo y enfocarlo en automático. Una vez enfocado, pasar a enfoque manual para así fijar la zona por donde tendremos el humo.

-ISO

Por norma general pondremos la ISO más baja posible, así evitaremos el molesto ruido si usamos una ISO alta, y además, al estar usando trípode y disparador remoto, no tendremos que preocuparnos por la trepidación.

-Apertura

Usaremos una apertura de diafragma lo más cerrada posible.
Pensemos que estamos trabajando con luz externa (flash o un foco) y no tendremos problemas de iluminación.
Además, el hecho de trabajar con el diafragma cerrado nos aumentará la profundidad de campo y nos permitirá solventar el problema de un objeto, como el humo, cuya trayectoria nos resulta imprevisible.

La apertura que usemos será en función al tiempo que expongamos la toma y a la distancia que estemos trabajando respecto al humo.
Personalmente prefiero trabajar con teleobjetivo, ya que desenfoca perfectamente el fondo y separa muy bien el humo respecto a la parte posterior de la escena.

—> Ahora, ya con todo montado, nos podemos disponer a fotografiar cuantas veces queramos hasta lograr el resultado deseado. Podemos jugar con el humo de la forma que nos apetezca. Poner varias barritas de incienso, soplar para provocar diferentes formas del humo al salir de las barritas, etc.

Ajustes

Es recomendable trabajar en modo RAW mejor que con JPG. Esto nos permitirá un mejor control posterior de los niveles.

Dependiendo del acabado final de nuestras fotografías, podemos tocar la exposición, contraste o enfoque.
Aquí no doy muchos datos porque cada foto es un mundo, y dependiendo de los parámetros que ajustéis en vuestras cámaras, así necesitará ser retocada para darle el acabado deseado.

Colorear el humo

Si al final queremos darle un último toque creativo a nuestras fotografías, podemos usar nuestros editores para retocar o virar los colores de la escena.

En mi caso, suelo usar Photoshop para finalizar la edición de mis fotografías.

Podemos usar múltiples acabados. Desde invertir la escena y dejar el fondo blanco, a colorear por zonas.

Si queremos invertir los colores de la fotografía, debemos (en Photoshop) seguir esta ruta Imagen>Ajustes>Invertir

Si queremos colorear por zonas, debemos ir creando capas y coloreándolas con el pincel según nuestros gustos personales.

También podemos jugar con la función tono/saturación para conseguir diferentes acabados.

Y ya está por ahora.

Tan solo me queda dejar unas fotografías como ejemplo de qué podemos conseguir con este tutorial.

Tutorial: Simular grano de película fotográfica con Photoshop


En este tutorial vamos a explicar como añadir un efecto a nuestras fotografías para darles un aspecto semejante a la película de alta velocidad.

Para conseguir la máxima espectacularidad con este efecto, es aconsejable convertir las fotografías de color a monocromo. La forma más rápida es desaturando la imagen (En posteriores artículos explicaremos mejores técnicas para pasar nuestras fotografías a blanco y negro de una forma eficaz).

Pasemos a ver los pasos necesarios.

1-Abrir y convertir.

Abrimos la fotografía escogida y arreglamos todo aquello que sea necesario. Reencuadramos, eliminamos objetos no deseados de la escena, etc.
Una vez hecho todo esto, usamos la función desaturar que encontraremos siguiendo la ruta Imagen>Ajustes>Desaturar

2-Añadir grano

En principio podríamos pensar que la forma más sencilla y eficaz de añadir grano a nuestra fotografía sería con la función Granulado, que encontraremos siguiendo la ruta Filtro>Textura>Granulado, pero no es así.
El problema de usar este filtro es, que a pesar de estar trabajando en una imagen monocroma, le añade color al grano. Esto nos obligaría posteriormente a desaturar de nuevo la capa.

Por lo tanto, y visto el problema, optaremos por usar el efecto añadir ruido. La ruta es Filtro>Ruido>Añadir ruido

En el caso de la fotografía usada para el artículo, he configurado las opciones con el 17% de Cantidad, Distribución Gaussiana y he marcado la casilla Monocromático.

*El valor que pongamos en Cantidad variará en función del resultado final que veamos. Os animo a que juguéis con diferentes cantidades hasta dar con el acabado más idóneo.

3-Desenfoque.

Después de haber añadido ruido a nuestra fotografía, podremos observar como el grano es muy marcado y se percibe excesivamente duro.
Para solucionar este pequeño inconveniente suavizaremos la capa con un ligero desenfoque.

Usaremos un desenfoque gaussiano con radio de 1 píxel, ya que usar una cifra más elevada nos daría un resultado excesivamente desenfocado. La ruta para este efecto es Filtro>Desenfocar>Desenfoque Gaussiano.

4-Perfeccionar acabado.

El grano conseguido ahora es mejor, pero no lo que estábamos buscando, así que aplicaremos una máscara de enfoque a la capa de ruido para perfeccionar el resultado.  Al contrario de lo que podríamos pensar, esta máscara de enfoque no anula el desenfoque anteriormente aplicado, ya que esta máscara suaviza los grupos de píxeles oscuros creados al añadir ruido, y por lo tanto, el enfoque aumenta la definición entre estos píxeles.

Como podemos ver, para esta fotografía he ajustado los niveles a 100% de Cantidad, Radio en 5 y Umbral 4.
*Os vuelvo a recordar que los ajustes son optativos y variarán según las necesidades concretas de cada tipo de fotografía.

Por último, en este punto, os aconsejo reducir la opacidad de la capa de ruido si véis que el grano queda demasiado fuerte, y si por el contrario, queréis marcar más el grano, tenéis dos opciones, cambiar el modo de fusión de la capa de ruido a Luz Suave o Superponer.

5-Acabado final y creatividad.

Ahora os mostraré el resultado final de la fotografía, una vez aplicados todos los efectos explicados.

Por último, también tenéis la opción de darle un tono creativo a la fotografía haciendo un virado sepia. Este efecto dotará a la imagen de un acabado “antiguo”.
Es muy sencillo siguiendo estos pasos que os voy a explicar ahora.

Lo principal es asegurarse de estar trabajando en la capa que duplicamos y en la que añadimos el ruido.
Después seguimos la ruta Imagen>Ajustes>Blanco y Negro.  Una vez abierta la ventana emergente de este efecto, tan solo hemos de asegurarnos de marcar la casilla Matiz, y ajustar los niveles de Tono en 42 y Saturación en 15.

Y el resultado de este efecto sería:

Si deseáis que el efecto sea más potente, tan solo tenéis que usar una cifra mayor en el nivel Saturación. Así el tono final sepia será más marcado e impactante.

Y ahora, y como siempre comento, a practicar. Espero que os haya gustado este último tutorial y que os sirva de guía para mejorar vuestras fotografías.

Tutorial: Iluminación para el retrato y colocación de las luces


Como veremos seguidamente, una óptima iluminación es básica a la hora de conseguir buenos resultados en nuestras fotografías. De imágenes completamente vulgares, podemos pasar a conseguir magníficas fotografías.
En este tutorial estudiaremos la mejor forma de colocar nuestras fuentes de luz para conseguir excelentes resultados.

De la cantidad de luz y de la posición desde la que incida dependerá el aspecto general que consigamos. Dependiendo de donde coloquemos la fuente de luz, podremos resaltar aquellos aspectos o detalles que queramos, o podremos ocultar aquellos que no deseemos que aparezcan o resalten.
No debemos olvidar también que, según sea la dirección de nuestra fuente de luz, conseguiremos una sensación de volumen, mayor o menor intensidad en los colores y texturas diferentes.
Por norma general usaremos dos fuentes de luz para efectuar nuestras fotografías de estudio.
Tendremos una primera luz, que será la que predominará en la escena, y que llamaremos luz principal y otra fuente de luz que se encargará de rellenar las sombras que la primera no haya podido cubrir, y que llamaremos luz de relleno.
La luz principal modela y define el objeto fotografiado.
La luz de relleno tiene como objetivo eliminar la sombra intensa de la luz principal, y también reducir el contraste creado por ésta.

La luz la podemos obtener de forma natural o artificial.
La primera es bastante difícil de dominar, puesto que varían sus parámetros constantemente (temperatura, dirección, color…) y nos tendremos que adaptar a ella sobre la marcha. La artificial nos permitirá trabajar sin estas dificultades pero, evidentemente, resultará más costosa al tener que comprar un estudio fotográfico.
La posición en que coloquemos las luces parece una tarea sencilla para fotógrafos experimentados, pero para los que hacen sus primeros pinitos en fotografía este tutorial le resultará de gran ayuda.
Hay que apuntar, que no hay una manera única y exclusiva de colocar nuestras fuentes de luz. Hay posibilidades infinitas. Tantas como creatividad tenga el fotógrafo.

Tenemos múltiples tipos de iluminación. Ahora pasaremos a clasificarlas según su posición y naturaleza.

Según la posición tendremos:

Luz frontal
En este tipo de iluminación la fuente de luz se coloca detrás, y sobre el fotógrafo, y enfocada directamente al objeto/sujeto.

Debido a la cercanía entre la fuente de luz y el objeto, obtenemos fotografías planas con poca textura, escasas zonas sombreadas y sectores demasiado iluminados. Aunque conseguimos aumentar la cantidad de detalles que podemos observar del objeto. Es recomendable rebotar la luz principal contra el techo para atenuar el efecto de luz plana, y evitar fondos muy reflectantes, ya que éstos producirían reflejos indeseados.

Luz lateral

Es este tipo de iluminación la luz incide en el objeto de forma lateral. Normalmente con un ángulo de 90º en relación a la linea recta imaginaria que forma el fotógrafo y el objeto fotografiado.  En esta iluminación colocamos la fuente de luz a un lado del fotógrafo para conseguir una zona con una fuerte iluminación y la contraria con un contraste marcado de sombras.

En este tipo de iluminación, conseguimos un contraste extremo entre las zonas iluminadas y las que no lo están.  La luz es dura y las sombras excesivas, por eso es recomendable colocar una luz de relleno en el lado contrario para atenuar estos contrastes.

Luz semilateral

En este tipo de iluminación la luz principal incide en el objeto de forma diagonal. La luz se coloca en una posición intermedia entre la iluminación frontal y lateral, en unos aproximadamente 45º.

Esta iluminación es la más aconsejable puesto que las sombras que se consiguen favorecen la profundidad, dando más perspectiva, y las texturas ganan riqueza en sus matices.
Esta sería la colocación más clásica y utilizada por los fotógrafos.

Contraluz

En este tipo de iluminación, la fuente de luz principal está detrás del objeto y de frente al fotógrafo.

Con esta ubicación de la luz principal detrás del objeto fotografiado, se consiguen imágenes artísticas, en que priman las siluetas muy contrastadas.
Se anulan prácticamente los colores y obtenemos zonas o muy claras, o muy oscuras. También conseguimos “separar” el objeto del fondo.

Semicontraluz

En este caso, la iluminación es una forma intermedia entre el contraluz y la luz lateral. Tomando una linea recta imaginaria entre el sujeto y el fotógrafo, esta iluminación estaría ubicada en unos 135º.

En este tipo de iluminación, conseguimos que la luz resalte las texturas y la perspectiva en el objeto. También conseguimos fotografías artísticas con siluetas en alto contraste.

Luz cenital (o picado)

En esta iluminación la luz proviene de la parte superior. Hay que tener en cuenta que este tipo de iluminación produce sombras duras y verticales, y zonas con iluminaciones excesivamente claras. Se suele usar para iluminar planos generales.

Normalmente este tipo de iluminación no se suele utilizar en estudio.  Su uso más frecuente es en exteriores, aprovechando la luz natural del día.

Iluminación contrapicada

Esta iluminación es justo la contraria a la cenital. La fuente de luz incide en el objeto desde abajo hacia arriba.

Las fotografías tomadas con esta técnica produce sombras e iluminaciones antinaturales, sobre todo en retratos de la cara, ya que resalta e ilumina zonas que normalmente se aprecian sombreadas. Este tipo de iluminación se utiliza mucho en fotografías que pretenden ser inquietantes y misteriosas.

Tampoco debemos olvidar otros tipos de iluminación que nos resultarán fundamentales para conseguir una fotografía correcta. Estamos hablando de la luz ambiente, luz de perfilado y contorno, y luz de ojos.

La luz de ambiente, también llamada luz de fondo, es la que conforma el ambiente que rodea al objeto o al sujeto. En fotografías de exterior suele ser la luz que obtenemos de forma natural. En fotografías de estudio, es la luz que obtenemos mediante la luz cenital o rebotando la luz sobre un techo de color blanco.

La luz de perfilado o contorno, es la luz que vimos antes y que hemos llamado semicontraluz. Ésta nos sirve para perfilar al objeto. También se suele conocer como contraluz de 3/4.

Por último, tenemos la luz de ojos. Esta iluminación nos permite reforzar la iluminación en los ojos del sujeto. Por norma general se suele conseguir con pequeños proyectores dirigidos directamente a los ojos del sujeto fotografiado.

Ya hemos visto la importancia de la iluminación a la hora de conseguir fotografías correctas.  Ahora tan solo queda experimentar y ver los resultados.


Tutorial para fotografía nocturna de larga exposición


Frecuentemente nos encontramos con el problema de hacer fotografías nocturnas, y no saber exactamente el tiempo preciso de exposición.

Mientras intentamos hallar ese tiempo, moviendo los mandos de nuestra cámara, vemos como llegamos al modo Bulb sin tener clara la duración exacta.

Esto es, que sabemos que como mínimo necesitaremos 30’’ pero nada más.

El fotómetro de la cámara nos avisa que la fotografía saldrá subexpuesta, ¿Qué hacemos?

Para saber como solventar este inconveniente  tenemos un truco que nos servirá para conocer el tiempo de exposición necesario.

Como estamos hablando de fotografía nocturna, sobra decir que necesitaremos trípode y disparador automático.

Una vez tengamos clara la fotografía que queremos y la encuadremos, nos dispondremos a mirar los parámetros que nos marca la cámara.

Supongamos que trabajamos con la máxima apertura de diafragma posible de nuestro objetivo, para captar el máximo de luz posible (en este caso a f/2,8), y a velocidad ISO-100 puesto que no queremos sacrificar la nitidez de nuestra fotografía, subiendo la velocidad ISO y provocando un exceso de grano.

El truco consiste en subir la velocidad ISO de nuestra cámara hasta el máximo nivel que nos permita (Por ejemplo, pensemos que forzando la ISO llegamos a 3.200).

Movemos el dial hasta que el fotómetro de la cámara nos indica que la exposición es la correcta y vemos que nos da un resultado de 15’’.

Ahora cambiamos de nuevo la ISO hasta 100 y contamos los puntos de luz que hemos bajado al disminuir la ISO.

Para entender todos estos datos, es fundamental tener claros las distintas velocidades ISO y las diferentes aperturas de diafragma.

Velocidades ISO:

100 − 200 − 400 − 800 − 1600 − 3200

Apertura de diafragma:

1.4 − 2 − 2.8 − 4 − 5.6 − 8 − 11 − 16 − 22

->Con toda seguridad en nuestras cámaras fotográficas, tenemos velocidades ISO y aperturas intermedias, pero para este truco para fotografía nocturna, necesitamos las velocidades y aperturas reales.

Sigamos….

Recordemos que hemos hecho la medición con velocidad ISO-3200, apertura focal de f/2.8 y que el resultado nos ha dado 15’’ para obtener una correcta exposición.

De ello obtenemos que hemos disminuido la velocidad ISO cinco veces. O sea, cinco puntos.

De 3200 a 1600 (Un punto)

De 1600 a 800 (dos puntos)

De 800 a 400 (tres puntos)

De 400 a 200 (cuatro puntos)

De 200 a 100 (cinco puntos)

Sabiendo esto, ahora debemos multiplicar el tiempo que hemos obtenido midiendo con ISO-3200 (que fueron 15’’) por 2, tantas veces como hayamos disminuido los puntos de luz (fueron cinco pasos).

Esto es, 15’’ x 2 x 2 x 2 x 2 x2 = 480’’ (O lo que es lo mismo. Multiplicar 15’’ por 2 a la quinta potencia, que es 32).

De lo que resulta que para hacer una fotografía a ISO-100 con apertura de diafragma de f/2.8, debemos hacer la fotografía con un tiempo de exposición de 480’’ (8 minutos).

También cabría la posibilidad de que quisiéramos modificar la apertura de diafragma para aumentar la profundidad de campo.

Si pasáramos de f/2.8 a f/11, esto implicaría que, como marca el sentido común, disminuiríamos la cantidad de luz que incidiría en el sensor. Por lo tanto necesitaríamos más tiempo de exposición para hacer una fotografía correctamente expuesta, valga la redundancia.

Esto implicaría bajar cuatro pasos (cuatro puntos de luz).

De f/11 a f/8 (Un paso)

De f/8 a f/5.6 (Dos pasos)

De f/5.6 a f/4 (Tres pasos)

De f/4 a f/2.8 (Cuatro pasos)

Por lo tanto, deberíamos multiplicar, el tiempo hallado con el truco anterior, que fue 480’’,  por 2 elevado a la cuarta potencia.

480’’ x 16 = 7680’’ (128 minutos).

Evidentemente estas cifras solo son ejemplos, ya que estar más de dos horas haciendo una sola fotografía ni es práctico ni habría paciencia suficiente.

Por cierto, cabe recordar que para hacer una fotografía de larga exposición sin tener que estar con el botón pulsado durante toda élla, es fundamental bloquear el espejo para evitar vibraciones no deseadas.

Filtros fotográficos ¿Qué son?¿Cómo trabajan?


Un filtro fotográfico es básicamente un accesorio que se coloca en la parte frontal del objetivo. Sus funciones son múltiples, pero básicamente son la de crear efectos finales en las fotografías tomadas.
Estos filtros, que se anteponen al objetivo, sirven para controlar/modificar la luz que incide en el sensor (si es digital) o en la película (si es analógica).

El filtro puede ser un cristal cuadrado que se acopla al objetivo gracias a un accesorio, llamado portafiltros.
Este portafiltros se enrrosca al objetivo, y permite intercambiarlos o incluso colocar varios al mismo tiempo.

Los filtros más comunes son los de cristal redondo con una montura metálica o plástica con rosca. Los objetivos suelen incorporar una rosca para estos filtros. Evidentemente el diámetro de la rosca ha de ser la misma en el filtro y en el objetivo, ello se indica con el símbolo Ø en la parte frontal del objetivo y en el borde del filtro (Ø77mm por ejemplo).

El material más frecuente con el que están fabricados los filtros son el vidrio y la gelatina. El vidrio tiene una mejor calidad pero, en contrapartida, tiene un mayor precio y la gelatina suele ser más económica y disponer de mayor variedad.

Ahora pasaré a enumerar las distintas clases de filtros y su efecto en las fotografías que tomaremos.

Filtros protectores

Son cristales que no aplican ningún efecto en la fotografía. Básicamente su funcion es la de proteger al objetivo de golpes, suciedad y arañazos en su cristal frontal.
Los más frecuentes son el Skylight (o 1A) y el UV (Ultravioleta).
Los efectos que consiguen en nuestras fotografías son prácticamente imperceptibles, ya que simplemente bloquean los rayos ultravioletas.

Filtros polarizadores

La función principal de estos filtros es la de evitar brillos y reflejos indeseados en nuestras fotografías. Normalmente estos problemas nos surjen al fotografiar el agua, ventanas, escaparates, superficies metálicas, etc.
Estos filtros también dan una mayor saturación al color  y oscurecen el azul del cielo de nuestras fotografías.

El filtro polarizador está conformado por dos partes. Una parte fija que se enrosca al objetivo, y un anillo giratorio, que es dónde está el cristal, y que girándolo modifica el ángulo de incidencia de la luz.
Así, conseguimos minimizar los brillos indeseados y esos reflejos que afean nuestras fotografías.

A continuación podremos ver un ejemplo dónde se observa nítidamente el efecto que se consigue con este tipo de filtros.

Al observar las dos imágenes podemos ver como los tonos azules, en la fotografía en que hemos usado el filtro polarizador, son más saturados y vivos. Si hubiéramos puesto como ejemplo una fotografía con agua en la escena, apreciaríamos como los brillos y reflejos se minimizan drásticamente.

Filtros de densidad neutra

Estos filtros se utilizan para reducir la cantidad de luz que entra dentro del objetivo pero sin influir en los colores. Así podemos modificar la exposicion de la fotografía y evitar zonas quemadas (blanco puro).  Se llaman neutrales porque afectan por igual a toda la gama cromática, filtrando todos los colores sin distinción.
Estos filtros permiten al fotógrafo más control en la exposición en circunstancias extremas (Normalmente para días con Sol intenso o para tomas con mucha luz).
Hay dos tipos de filtros de densidad neutra. Los normales, que modifican la intensidad de luz que entra en toda la escena, y los degradados, que afectan solo a una parte de la escena (El filtro tiene una transición de la opacidad entre diferentes zonas).
Entre estos filtros, los hay de diferentes tipos dependiendo de la cantidad de luz que son capaces de filtrar.
Por ejemplo, el filtro ND2 reduce la entrada de luz a la mitad (1 paso ), el filtro ND4 reduce la entrada de luz en cuatro veces ( 2 pasos ), el filtro ND8 ocho veces ( 3 pasos), y así sucesivamente.

Estos filtros son muy útiles si tenemos dos zonas muy diferenciadas en una toma. Por ejemplo, si tenemos una fotografía en que el cielo está con la luz muy intensa, tendremos dificultades para conseguir exponer toda la fotografía correctamente (Si el cielo sale correctamente expuesto, la tierra saldrá subexpuesta y oscura, y si la tierra sale bien expuesta, el cielo saldrá sobreexpuesto  y con zonas quemadas).
También podremos usar estos filtros si queremos hacer una fotografía en que necesitamos un tiempo de exposición determinado, pero la cantidad de la luz de la escena nos lo impide.
Por ejemplo, si queremos hacer una fotografía del agua con larga exposición, para conseguir el efecto seda, y las condiciones de luz no nos lo permiten.

Ejemplo del efecto seda

Filtros IR

Estos filtros no bloquean los rayos infrarrojos, sino todo lo contrario. Permiten tan solo el paso de los infrarrojos e impiden el paso al resto de colores.
Con este filtro podemos hacer fotos espectaculares por su originalidad.
Un buen ejemplo es el que pondrá a continuación:

Filtros estrella

También llamados Cross-screen. Estos filtros son para obtener destellos creativos de cualquier fuente de luz.
Para crear este efecto, la lente de la cámara crea una luz de difracción muy fina que se irradia hacia fuera de la fuente de luz. Esto se consigue mediante pequeños prismas que hay dentro del propio filtro.
Según la cantidad de difracciones que se consiguen, el filtro tiene una nomenclatura diferente. SCS 4X (cuatro difracciones), SCS 6X (seis difracciones), SCS 8X (ocho difracciones).
Para entender mejor el efecto, os muestro una fotografía creada con un filtro SCS 6X:

Filtros de colores

Los filtros de colores se usan tanto en fotografía a color como en blanco y negro.
En la fotografía a color se utilizan para colorear una zona específica de una toma, y en fotografía en blanco y negro, para oscurecer o aclarar la escala de grises de la fotografía.
Como los filtros de densidad neutra, los filtros de colores también están en un color fijo o degradados.

Y para finalizar, os animo a usarlos.
Vuestras fotografías entrarán en otra dimensión.

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