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Fotógrafos: Ansel Easton Adams


Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco y falleció en Carmel el 22 de abril de 1984.

Fue un fotógrafo estadounidense mundialmente conocido por sus imágenes en blanco y negro y, sobre todo, por sus fotografías de paisajes.

Sus imágenes más famosas y relevantes son del Parque Nacional Yosemite de Estados Unidos.  Allá por el año 1916  realizó sus primeras fotografías, donde captó en blanco y negro y en todo su esplendor, la majestuosidad y grandeza de la naturaleza de Estados Unidos.

Sus fotografías revelan, con un formidable juego de luces y sombras, toda la magnificencia de las montañas, nubes, desiertos, árboles, ríos y vegetación de Estados Unidos, y en particular, de toda la belleza original del Parque Natural Yosemite.

Su obra literaria es extensa y variada. Entre los libros que podemos destacar tenemos Yosemite y The Spirit of Wild Places (bajo mi subjetivo punto de vista), aunque su contribución literaria más famosa es la célebre y celebrada trilogía compuesta por La cámara, El negativo y La Copia. En La cámara, Adams efectúa una explicación detallada del funcionamiento de las cámaras fotográficas de la época. En El negativo explica su famoso sistema de zonas -método fotográfico que lo haría mundialmente famoso-. También habla sobre la influencia de la luz, la exposición, la película, etc. Y por último, su libro La copia. En este libro, Ansel Adams nos explica las diferentes técnicas fotográficas en el laboratorio. Revelado, reservas, virados, quemados, etc.

En 1932 funda en California, junto a otros fotógrafos, entre los que destacan Paul Strand, Imogen Cunningham, Henry Swift, Sonya Noskowiak, Williard Van Dike y Edward Weston, la asociación fotográfica Grupo f/64. Con el nombre del grupo deducimos perfectamente las ideas que abrazaban. Defendían el uso del diafragma lo más cerrado posible. Con ello buscaban una gran profundidad de campo y conseguir el control total de todas las zonas de la imagen.

Sistema de Zonas

El sistema de zonas es una técnica de exposición y revelado que debemos a Ansel Adams y F.Archer. No me extenderé puesto que daría, y creo que dará, para otro artículo, tan solo diré que esta técnica permitía sistematizar los parámetros que intervienen en todo el proceso fotográfico y además, proporcionaba unas pautas, basadas en una escala de grises, para obtener fotografías lo más cercanas a la realidad, y tal y como las percibimos autenticamente. Adams creó un método revolucionario para regular la exposición y revelado de negativos con la finalidad de maximizar el control del fotógrafo sobre la imagen impresa final.

Pero volvamos a su biografía.

En su primera visita a Nueva York, hacia el año 1933, conoció a Alfred Stieglitz.
Adams siempre había admirado la lucha de Stieglitz por poner al mismo nivel a la fotografía respecto cualquier otro arte reconocido.

Durante los siguientes años Adams siguió dedicándose a la fotografía, hasta que, en reconocimiento a su gran trabajo, y ya en el año 1936,  Stieglitz le ofreció su galería para que pudiera exponer por primera vez.

Durante los años posteriores, Adams utiliza cada vez más su posición prominente en el mundillo para conseguir la aceptación de la fotografía como un arte reconocido. En 1940 ayuda a fundar el primer departamento dedicado a la fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A lo largo de esta década siguió explorando las técnicas fotográficas hasta que formuló su famoso método de Sistema de Zonas, el cual fue publicado en su libro El Negativo allá por 1948.

La mayor parte de la obra fotográfica de Adams llega hasta el 1950. A partir de esa fecha solo un reducido número de fotografías alcanzará las cuotas de perfección de su primera etapa.
Al haber gastado gran parte de sus energías en la creación artística, y haber dado de lado la cuestión financiera, y por lo tanto, verse en una precaria situación económica, tuvo la necesidad de pedir ayuda a su mentor Alfred Stieglitz en una carta enviada el 6 de agosto de 1953.
Stieglitz  recogió el guante y le ayudó. Fue entonces cuando comenzó a hacer fotografía comercial. Esto no era algo que le entusiasmara especialmente, ya que percibía que el trabajo no le dejaba explotar su faceta creativa.
Trabajó para marcas como IBM, AT&T, National Park Service y Kodak, y también para las famosas revistas Life y Fortune.
También colaboró como fotógrafo asesor para Polaroid en sus comienzos y para Hasselblad.

Estos trabajos le proporcionaron una proyección internacional que, a su vez, convirtió a sus fotografías en verdaderos iconos de la belleza natural estadounidense. Famosas son sus imágenes del Parque Nacional Yosemite, Las Montañas Rocosas, El Gran Cañón del Colorado, Yellowstone, etc.

Fue un conservacionista ardiente y usó su arte para dar a conocer y proteger la naturaleza salvaje norteamericana. Tuvo como objetivo crear conciencia para la conservación del paisaje natural y de la vida animal.

Esta “obsesión” por fotografiar la naturaleza tuvo sus detractores, ya que raramente aparecían personas en sus imágenes. Cartier-Bresson llegó a decir de Adams “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles”.

Para finalizar, os ofrezco la visión de algunas de sus fotografías.
Es un breve resumen de lo que este monstruo de la fotografía nos dejó a todos como legado.

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Fotógrafos: Isabel Muñoz


Isabel Muñoz es una reconocida fotógrafa barcelonesa nacida el 1951.

En el año 1970, a punto de cumplir veinte años,  se traslada a Madrid donde comienza a descubrir su pasión por la fotografía. Allí decide convertir su afición en profesión, y en 1979 comienza a cursar estudios fotográficos en Photocentro*.

Allá por el año 1981 comienza su trayectoria haciendo encargos para prensa y publicidad.
Poco después conoce a Tote Trenas, quien la introduce en la fotografía para cine. Eso le permite trabajar en películas como Sal Gorda (Fernando Trueba) y Penumbra.

Durante el perído 1982-86 decide ampliar sus estudios en Nueva York. Allí se matricula en Visual Studios, donde estudia collage con John Wood y cianotipos con Martha Madigan.
Su preocupación por hallar un soporte idóneo para reproducir la piel, la llevan a proseguir sus estudios en Maine con Craig Stevens (platinos), Robert Steinberg (albumen), y con Neil Seilkirk (la luz). Posteriormente regresa a Nueva York para estudiar el gran formato en el ICP (International Center of Photography).

En el año 1986 regresa a Madrid y expone por primera vez en el Instituto Francés.
La exposición lleva por título “Toques”.

La técnica utilizada por Isabel Muñoz para la realización de sus obras es la platinotipia.
Esta técnica obtiene copias monocromas por contacto con materiales sensibilizados con sales de platino y hierro, tras un revelado con oxalato.

Posteriormente, desde el año 1990 hasta el 2007 se dedica a recorrer mundo con su cámara, consiguiendo maravillosas instantaneas, que ahora pasaremos a mostrar.
Estas fotografías van desde el estudio de los bailes y danzas propios de cada país, a la arquitectura, la forma en que algunas tribus se expresan a través de su piel  o la denuncia de las injusticias sociales sobre los más desfavorecidos.

Para comenzar esta primera serie, veremos trabajos realizados en Cuba, utilizando como principal motivo la danza en todas sus expresiones. Desde bailes populares y tradicionales, a la danza más clásica y académica.

—->También efectúa fotografías del Ballet Nacional de Cuba

Otras de sus fotógrafías que se podrían enmarcar en la temática del baile y la danza, fueron realizadas en Turquía, Kenia con los Masai Maras y en Camboya con la danza Khmer.

Aquí veremos unos buenos ejemplos.

También ha efectuado fotografías cuya temática ha sido el flamenco y la capoeira. Sin olvidar su espléndida serie de fotografías al Ballet de Víctor Ullate.

En otro de sus viajes, concretamente a China, tiene la oportunidad de fotografiar la escuela de circo de Beijing, y hacer un estudio sobre las artes marciales en una escuela Shaolin.

Aprovechando su estancia en Camboya, también hizo una serie de fotografías para denunciar la esclavitud y los mutilados por culpa de las minas antipersonas.

También viaja a Etiopía, dónde fotografía a sus innumerables tribus.
¿La razón?. Busca a todas las tribus que usan la decoración corporal como forma de expresión. Aquí inmortaliza con su cámara a los Surma, Nyangaton, Hammer, Banna, Bodi, Cursi, Karo y Nuer.
Estas fotografías están llenas de fuerza expresiva y belleza. Véamos algunas.

Siguiendo con la temática del lenguaje corporal, se va a El Salvador para fotografiar a las tribus urbanas. Allí hace un extenso estudio fotográfico sobre las “Maras”.

Viendo su basta obra, comprobamos la indudable calidad técnica de sus fotografías y el extremo dominio de las imágenes en blanco y negro.

Y para finalizar, merece una mención especial el hecho de que haya mostrado su obra en algunas de las principales salas y centros de exposiciones del Mundo.
Sin olvidar sus colaboraciones con otros artistas y la publicación de 41 libros hasta la fecha.
Todo esto le ha hecho ocupar un lugar destacado dentro del mundo de la fotografía.

*Photocentro: Inaugurada en 1975. La sede se estableció en un precioso chalet de dos plantas, propiedad que, la familia Fierro, tenía en la Plaza de la República Argentina de Madrid. Las obras de adecuación de los espacios y el interiorismo, fueron diseñados por el ahora prestigioso arquitecto Antonio Riviere. En la planta baja se ubicaron el distribuidor, despacho de dirección, el Photo bar, la Photo Galería, la Photo Tienda y la Photo Biblioteca. En la planta superior, las aulas de la Photo Escuela, los despachos de administración, sala de profesores y un aula polivalente con una cabina de proyección entre un pequeño graderío. En la planta sótano, se situaron el laboratorio profesional, el plató y los laboratorios de la Photo Escuela. La edificación disponía también de un jardín, con accesos interiores y, a través de una puerta de carros situada en la calle de Carbonero y Sol. La entrada principal dotada de un magnífico porche con columnas, se situaba en la parte oeste de la plaza de la República Argentina.
http://www.ucm.es/info/univfoto/num3/villasante.htm

Página oficial de Isabel Muñoz http://www.isabelmunoz.es/

Enlaces de documentación:

http://es.wikipedia.org/wiki/Isabel_Mu%C3%B1oz y la propia página de la artista.

Fotógrafos: Elliott Erwitt


Elliot Erwitt nació en París en 1928 en el seno de una familia de emigrantes rusos. Sus primeros años de vida transcurrieron en Italia, aunque en 1939, a la edad de diez años se trasladó a vivir junto a su familia a Francia.
A los dos años se traslada definitivamente a Estados Unidos, residiendo en Nueva York, para finalmente asentarse en Los Angeles.

A pricipio de los años 50, Erwitt se muda a vivir de nuevo a Nueva York. Dónde, después de viajar por prácticamente todo el mundo, acabó estableciéndose definitivamente.

Mientras estudia en la Hollywood High School, Erwitt trabaja en un laboratorio revelando copias firmadas de estrellas de cine para sus fans. En 1949, sus viajes a Italia y Francia, marcan el inicio de su carrera profesional. En 1951 continúa trabajando como fotógrafo para diversas publicaciones.

En uno de sus viajes de exploración a Nueva York para encontrar trabajo, antes de comenzar el servicio militar, tiene la suerte de conocer a Edward Steichen, Robert Capa y Roy Stryker, a quienes gusta su trabajo y acaban convirtiéndose en sus mentores.

En 1953, justo después de salir del ejército, Elliott Erwitt es invitado a formar parte de Magnum Photo por Robert Capa, uno de sus fundadores. En 1968 se convierte en presidente de la prestigiosa agencia y será reelegido dos veces más.

Su obra es extensa y fructífera.
Una característica principal de sus creaciones es el tono irónico con el que las impregna. Esa particular visión de la fotografía nos ha permitido ver creaciones llenas de humor e ingenio.
Un buen ejemplo, son las fotos mostradas a continuación:

También tiene una larga serie de fotografías con el perro como motivo principal. En estas imágenes juega frecuentemente comparando al dueño con su can. Su particular forma de encuadrar les da un aire especial y divertido. En la mayoría de los casos, el perro es el centro de la toma y no el amo.

Veamos algunos ejemplos.

También cuenta con numerosas fotografías de personajes destacados de su época.
Como por ejemplo:

Che Guevara

Marilyn Monroe

Simone de Beauvoir

Erwitt además, usa su cámara para hacer denuncia social con diferentes instantaneas. Criticando el racismo imperante en EE.UU, o denunciando la durísima vida de veteranos de la Guerra de Korea.

Y para finalizar, os dejo otras imágenes y un video de este magnífico fotógrafo, dónde podremos ver la calidad de sus obras. La expresividad y emotividad conseguidas, y sobre todo la increible capacidad de conmovernos con unas fotografías, aparentemente, sencillas.

Un poco más, en su página oficial en Magnum
http://www.magnumphotos.com/Archive/C.aspx?VP=XSpecific_MAG.PhotographerDetail_VPage&pid=2K7O3R14C5ZB&nm=Elliott%20Erwitt

 

Información recopilada desde:

http://es.wikipedia.org/wiki/Elliott_Erwitt

http://www.halurodepixel.com/2010/08/elliott-erwitt-fotografia-documental-y-humor.html

http://toies.wordpress.com/2010/04/19/elliott-erwitt/

http://www.elliotterwitt.com/lang/es/index.html

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Fotógrafos: Robert Mappelthorpe


El fotógrafo Robert Mapplethorpe nació en Nueva York un 4 de noviembre de 1946 y falleció en Boston un 9 de marzo de 1989.

Alcanzó fama y celebridad por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, fundamentalmente de flores y desnudos. Sus trabajos, con un alto contenido sexual, generaron numerosas polémicas a lo largo de su carrera fotográfica.

Robert Mapplethorpe es considerado hoy por hoy uno de los fotógrafos más controvertidos y polémicos del siglo XX. Cursó estudios superiores en el Pratt Institute de Brooklyn desde 1963 a 1970, donde produjo obras de arte en una variedad de medios de comunicación. No utilizaba aún sus propias fotografías, pero en sus obras incorporaba muchas imágenes fotográficas que conseguía de varias fuentes, incluyendo páginas arrancadas de libros y revistas.

Comenzó a experimentar con una cámara Polaroid que le fue regalada por un amigo, creando imágenes íntimas y únicas de su círculo de amigos y conocidos: artistas, músicos, estrellas del porno y personajes anónimos que visitaban los clubes más underground de Nueva York. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico.

En 1975, adquirió una cámara Hasselblad, y a partir de entonces se apartó del estilo “instantánea” de la Polaroid y se dedicó a la creación de imágenes compuestas y controladas meticulosamente, acentuando la belleza formal de sus composiciones.

Sus primeras polaroids consisten en autorretratos

También hizo una serie de retratos de su amiga , la cantante-artista-poeta Patti Smith

En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica.

Aquí pongo unos ejemplos de sus obras.

-Desnudos:

-Bodegones de flores:

-Artistas y celebridades:

Mapplethorpe produjo una obra consistente que se esforzaba por el equilibrio y la perfección, lo que le colocó entre los principales artistas del siglo XX. Aproximadamente un año antes de su muerte, ya enfermo, Mapplethorpe ayudó a fundar la Robert Mapplethorpe Foundation, Inc. Robert Mapplethorpe falleció en la mañana del 9 de marzo de 1989, en un hospital de Boston,Massachusetts, por complicaciones derivadas del sida, a los 42 años de edad. Sus cenizas fueron enterradas en la tumba de su madre, en Queens, Nueva York. Su nombre no aparece en la lápida, marcada con la palabra Maxey.

La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sado-masoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento.

En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.

El X Portfolio de Mapplethorpe provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment (Robert Mapplethorpe: el momento perfecto), una exposición itinerante financiada por National Endowment for the Arts. El X Portfolio incluye algunas de las más explícitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en su ano.

Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la American Family Association, aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno para lo que llamaban “nada más que la sensacional presentación de material posiblemente obsceno”. Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la “Guerra Cultural Americana”. La exhibición de El momento perfecto en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de “obscenidad y pornografía infantil”. Aunque tanto Barrie como el Centro de Arte Contemporáneo fueron absueltos, una de las consecuencias fue la demostración de lo amenazadoras que las imágenes de homosexualidad masculina podían resultar para el público norteamericano.

Sus fotografías sexualmente cargadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación.

Otro escándalo se suscitó cuando la Corcoran Gallery of Art de Washington D.C. se negó a recibir una exposición de Mapplethorpe, luego de haber acordado su realización. Los responsables de la galería no habían visto las obras de Mapplethorpe y éste decidió presentar los trabajos inéditos “Sexually suggestive” (Sexualmente sugestivas). El debate llegó hasta algunos congresistas que se alarmaron de tantos músculos y penes. Fue entonces cuando salió al ruedo el artista pop Lowell Nesbitt Blair, quien dijo que si el museo no aceptaba las obras el cambiaría su testamento donde les legaba un millón y medio de dólares, cosa que tuvo que hacer porque la Corcoran Gallery mantuvo su negativa. Las fotos, de todas maneras, fueron proyectadas como diapositivas en la fachada de la galería como un acto de protesta organizado por varios artistas y luego se expusieron en las salas del Proyecto de Washington para las Artes, que fue visitada por 4.000 personas.

Y para finalizar, dejo aquí otras de sus obras que, por su interés estético, creo que pueden ayudar a entender mejor la obra de este gran fotógrafo.

Fuentes del artículo:

http://mariagimenez.wordpress.com/2010/07/26/robert-mapplethorpe-3/

http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Mapplethorpe

http://www.fotomundo.com/nota.php?id=1486

Fotógrafos: Man Ray


El nombre real de Man Ray era Emmanuel Rudzitsky. Nació en 1890 en Filadelfia (EE.UU).De orígenes judíos, su padre era de Kiev (Ucrania) y su madre de Minsk (Bielorrusia). Falleció en Paris en 1976.
Un artista total.
Tocó varias disciplinas artísticas. Realizó películas, esculturas, obra gráfica, pinturas dibujos, y sobre todo………fotografías.
Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino.
En 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).
Cuando el surrealismo se separa del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d’Ingres (1924), una de sus obras más famosas.

Alice Prin fue una modelo, cantante y actriz francesa, figura legendaria del ambiente artístico bohemio del barrio parisino de Montparnasse de principios del siglo XX. Aquí tenemos otras fotos de dicha modelo:

Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. “La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte”, dirá.

Otras de sus obras famosas son:

Man Ray-En pensant

Man Ray-Observatory time

Man Ray-Les larmes

Man Ray-The gift

Man Ray-Le baiser

Y aquí, una película en blanco y negro realizada por Man Ray en 1923, y titulada Le Retour A La Raison. La música fue compuesta y grabada por Donald Sosin.

Fuente: Wikipedia y Youtube

Fotógrafos: Chema Madoz


José María Rodríguez Madoz (Chema Madoz, Madrid 1958) es un reputado fotógrafo español contemporaneo.
Comenzó a cursar sus estudios de fotografía en el Centro de enseñanza de la Imagen, mientras los simultaneaba con sus estudios de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid.
Ha realizado numerosas exposiciones en España y en el extranjero, consiguiendo el respeto de la crítica y una gran popularidad, cosa difícil para un fotógrafo actual.

Amante de la fotografía en blanco y negro, juega con objetos cotidianos para sorprendernos con composiciones llenas de imaginación y fantasía.

En la Wikipedia podemos encontrar información más extensa acerca de su biografía y logros.

Algunos ejemplos de su estilo fotográfico son estos:


Fotografía: Chema Madoz


Fotografía: Chema Madoz


Fotografía: Chema Madoz


Fotografía: Chema Madoz

Si queréis ver y saber más de su extensa y magnífica obra, podéis visitar su página web.

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