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¿No sabes lo que es un TFCD? Sigue leyendo…hoy tenemos una gran sorpresa.


Hola a todos los lectores del blog.
Por fin volvemos con un nuevo artículo tras un merecido tiempo de descanso y muchos proyectos personales realizados.
No solo trataremos de explicar lo que es TFCD sino que también podremos disfrutar de una extensa e interesante entrevista con uno magnífico fotógrafo, una bellísima modelo y una excelente maquilladora.

Pero bueno…creo que estoy adelantándome y desvelando la sorpresa. Aunque para eso tendrás que leerte todo el artículo.

Comencemos.

¿Qué es un TFCD?

TFCD es un sistema de intercambio entre fotógrafos/as, modelos, maquilladores/as y estilistas en que todas las partes se ponen de acuerdo para realizar una sesión fotográfica. Una sesión que por su esencia es completamente gratuita para todos los integrantes. Gratuita porque nadie paga con dinero pero todos acaban obteniendo un gran beneficio.

Estas sesiones fotográficas de intercambio son muy productivas para todos los integrantes, ya que todos consiguen ampliar su portafolio con una mínima inversión (Se puede realizar una excelente sesión en exteriores con una mínima inversión en maquillaje, vestuario/atrezzo y equipo).

Pero ¿Qué significa TFCD?

TFCD o TFP (Time for Cd o Time for Prints) es la denominación originaria en que se pretendía definir el intercambio, en que el fotógrafo realizaba la sesión, y “pagaba” a la modelo con las imágenes impresas o en un CD.
Con este intercambio el fotógrafo adquiere experiencia y amplía su portafolio, y el resto de integrantes consiguen material para promocionar su trabajo.

Estos intercambios hoy en día están muy popularizados ya que son una buena forma para que el fotógrafo novel adquiera experiencia y  las modelos y maquilladoras puedan mostrar su trabajo. El problema surge cuando aparecen personas que confunden intercambio con “todo gratis”. Es el momento en que nos encontramos con fotógrafos que pretenden hacer una sesión para luego venderla, chicas que solo quieren un book gratis o estilistas que pretenden hacer la sesión para hacerse un catálogo. Es por eso que hay que informarse antes para no llevarse sorpresas desagradables. Eso no es un intercambio.

La forma de evitarlo es redactar un contrato en que quede claro para todas las partes la finalidad de la sesión fotográfica. En dicho contrato debería aparecer los nombres y DNI de todos los integrantes, el uso que hará el fotógrafo de las fotografías realizadas, cantidad de fotos que se proporcionará al resto del equipo y el uso que se le debería dar, etc.

¿Cómo ponerme en contacto con gente interesada en un TFCD?

Hoy en día es sumamente sencillo poder contactar con gente con el mismo interés en realizar una sesión TFCD. Tan solo has de buscar en Facebook y podrás encontrar una gran cantidad de grupos creados para poner en contacto fotógrafos, modelos y maquilladoras. También hay páginas, como Fotoplatino.com o Nosolotop.com donde podrás hacer lo mismo.

Esta ha sido una explicación muy breve sobre lo que es una sesión TFCD y de cómo realizarla. Ahora pasamos a la mejor parte del artículo. La entrevista.
¿Qué mejor forma de entender lo que es un TFCD que hablando con tres de sus protagonistas? Para ello contamos con Jota, Amelie de Lolan y Yadira Black Pearl.

Comencemos con Jota.

-¿Jota, cómo llegaste al mundo de la fotografía?

En realidad la fotografía siempre me ha interesado, no sabría decirte de qué manera he llegado. Recuerdo que de pequeño le robé a mi hermana una máquina de usar y tirar y disparé fotos a la luna con mucho entusiasmo. Mis padres tampoco olvidan las 36 fotos negras con un punto diminuto blanco que tuvieron que revelar jajaja. Luego, hace aproximadamente 6 años me compré una Canon 450D, mi primera réflex, que me descubrió un inmenso abanico de posibilidades mezclado con Photoshop. Con el mundo digital y el ahorro que conlleva en revelado, perdí el miedo a disparar y errar. Así creo que empezó todo.

-¿En qué te inspiras cuando preparas una sesión?

A veces viene sola la inspiración, es así de caprichosa. Ayer mismo, tenía una idea pensada para una sesión de estudio y mientras la maquilladora estaba con la modelo se me ocurrió usar un marco y unas hojas secas que tenía para esa sesión, pero con una intención diferente. Y el resultado inesperado me ha hecho sentir muy orgulloso, la verdad. Otras veces tienes una intención en la sesión y mientras editas te encuentras que: “Caray! A esta modelo le voy a quitar la boca con Photoshop, a ver qué sensación crea” y et voila, ahí tienes la mejor foto de la sesión.

Sesión Jota-Yadira-Amelie

-¿Cuál es tu referente, o referentes, en el mundo de la fotografía?

Me gusta como Chema Madoz gira las ideas de lo cotidiano, soy muy fan del trabajo de Robert Capa y su espectacular trabajo documental en la Guerra Civil Española. Samuel Aranda, un maestro que además somos paisanos, cosa que también acerca un poco jejeje. Alain Perdomo y Rebeca Saray, dos grandes del Photoshop y el retoque de fantasía y por otro lado más cercano José Luís Alcaraz y Damián Blanco también son grandes referentes a quiénes sigo y respeto y tengo el placer de conocer personalmente.

-¿Qué piensas que ha de tener un@  modelo para que la sesión salga perfecta? ¿Qué le pides?

Pues depende del tipo de sesión que se vaya a hacer, pero la relajación y la naturalidad es imprescindible.

Sesión Jota-Yadira-Amelie1

-¿Qué consejos le darías a una modelo inexperta en su primer día?

Que ensaye sus mejores poses frente al espejo, que antes de trabajar con algún fotógrafo se documente de su trabajo para que realmente le pueda servir a ella en su propio portfolio. Que sea selectiva en cuánto el tipo de trabajo que quiere, si de moda, si de fantasía, si interpretación… ¡no todo el mundo vale para todo! Y que no se desanime nunca, que se documente con tutoriales en YouTube y que trabaje duro que los inicios son complicados pero con constancia siempre se obtiene recompensa.

-¿Cuál es la foto que no has hecho aún y que te encantaría hacer?

Tengo ganas de hacer una foto a una pareja besándose apasionadamente medio desnudos bajo la lluvia del barrio gótico. Otra que tengo en mente de hacer es un enorme vestido largo de raso sobre el agua de algún lago con una cascada de fondo… La verdad es que tengo muchas fotos en mente y espero que nunca me falten las ideas!! 🙂

-Sabemos que recientemente inauguraste tu exposición TFC (Time for Crisis) ¿Cómo fue?

Pues muy bien! Esta exposición es precisamente un homenaje al TFCD, trabajos que he ido haciendo estos últimos 6 años. Al parecer las obras gustaron y el ambiente fue muy agradable. Dan ganas de exponer más con tardes así…. Lo de la fiesta de después, mejor no cuento detalles, que pueden haber niños leyendo este blog. Jajaja.

Exposición Time for Crisis

Amelie de Lolan (modelo)

-¿Cuál ha sido la sesión más extraña en la que has participado?

Pues no suelo participar en sesiones que no me convencen o me parecen raras, pero si que me han ofrecido cosas de esas que te dejan con cara de póker de lo raras que son, como una sesión en ropa interior con bolsa de papel en la cabeza, o cosas así.

-¿Qué tipo de fotografías jamás realizarías?

No me gusta la fotografía dark, gótica o sangrienta, no va conmigo.

-¿Cuál es la anécdota más divertida que has tenido en una sesión fotográfica?

Hubo una vez que estuvimos toda una mañana tirando fotos y cuando paramos un momento para verlas, el fotógrafo se dio cuenta que no tenía la tarjeta, tuvimos que volver a empezar desde el principio.

-¿Muchos codazos en la profesión o hay compañerismo?

Hay de todo, están las que venderían a su madre por una sesión, pero por el camino he conocido gente genial y que vale la pena.

-¿Qué tipo de preparación haces antes de una sesión fotográfica?

Depende de la sesión, normalmente me documento, en la gesticulación, poses, expresión.

-¿Con qué fotógrafo consagrado te gustaría trabajar?

Pues con Jota voy a trabajar hoy, así que algún día espero poder hacer algo con Rebeca Saray o Jordi Blancafort.

Yadira Black Pearl (Make up)

-¿Cuánto tiempo puedes dedicar a maquillar a una modelo?

Depende mucho del tipo de maquillaje, por ejemplo, si se trata de un beauty suelo tomarme unos 45-50 minutos, en cambio si se trata de un maquillaje natural para simplemente eliminar brillos con 15-20 minutos sería suficiente. En el aspecto del tiempo siempre se agradece que no te apremien ya que muchas veces llegas a la sesión y no te han dado casi nada de información con lo cual tienes que ir improvisando sobre la marcha.

-¿Maquillajes naturales o extremos?

Mi estilo suele ser extremo, me encantan los maquillajes tétricos, exagerados, o que incluso necesiten efectos especiales. Mi época favorita del año para maquillar es Halloween, ¡cuando llega la hora de sacar las prótesis y la sangre!

-¿Cuál es el maquillaje más original que te han solicitado para una sesión?

Aunque parezca mentira, lo más complicado de maquillar son los niños, que te piden maquillajes inverosímiles o que en ese momento no tienes en la cabeza, o que tal vez ni siquiera conoces. Te piden que les maquilles de tortuga ninja y ¡ahí es cuando quieres que la tierra te trague!

En un adulto lo más original que he hecho ha sido un personaje de un videojuego que me pidieron para un salón del manga y para el que solo tuve unos 30 minutos para maquillar, fue bastante estresante pero el resultado no quedó tan desastroso como me esperaba.

-¿Coordinas con el fotógrafo el tipo de maquillaje según la luz que se use en la sesión, o trabajas con total libertad?

Normalmente suelo ponerme de acuerdo con el fotógrafo y la modelo ya que siempre opino que poniendo nuestros puntos de vista en común se puede llegar a un mejor resultado. Quizás yo tengo una idea, el fotógrafo otra, y la modelo otra y al final te arriesgas a que no crees el estilo que se busca en la sesión. Una vez nos ponemos de acuerdo con lo que queremos entonces si suelo trabajar con bastante libertad.

-¿Alguna vez has practicado el body painting? ¿Qué dificultades presenta?

Si, lo he practicado un par de veces. Hoy en día la tecnología avanza muy rápido y lo que antes hacías con 6 horas de brocha en mano ahora lo haces en 2 y con un aerógrafo. Yo personalmente los dos que hice fueron con pinceles ya que mi economía no me permitía comprarme un kit de aerógrafo y pinturas, así que tanto para mí como para la modelo la dificultad no fue tanto el body painting sino el cansancio y las horas que conlleva. Tienes que estar constantemente en posiciones imposibles para realizar según qué detalles y cada vez tienes que ir con más cuidado de que la modelo no se mueva en según qué posiciones para que el maquillaje no se arruine.

-¿Para ti es un hobby o lo tomas como una oportunidad profesional?

Me gustaría tomármelo como una oportunidad profesional pero en los tiempos que corren es complicado vivir de ello, y en mi caso ya tengo un piso del cual pagar el alquiler y el traer dinero a casa se convierte en lo primero. Actualmente compagino mi trabajo de oficina de Lunes a Viernes con el maquillaje los fines de semana. Apenas descanso pero siendo el maquillaje a lo que realmente me gustaría dedicarme, saco tiempo de donde puedo para ir montando mi página web y mi perfil en las redes sociales.

Para los tres

-¿Volveríais a trabajar juntos? Razonad las respuestas y si es posible criticaos despiadadamente.

Yadira (make up): Sin pensarlo: ¡SI! Hacía tiempo que no me topaba con gente con tan buen rollo a la hora de hacer una sesión. No puedo criticar nada porque me lo pasé genial, ¡no puedo esperar a ver los resultados!

Jota (Fotógrafo): Desde luego! El ambiente fue excepcional y estoy muy contento por los resultados.

Amalia (Modelo): Si, repetiría sin duda, jota es como una veleta, va cambiando y transformando su idea original, y se le van ocurriendo cosas nuevas por el camino, es divertido ver como enloquece. Yadira tiene un talento exclusivo, y ver el proceso de creación de sus maquillajes es una experiencia interesante y divertida.

-¿Sesiones en estudio o exteriores?

Yadira (make up): Por comodidad, estudio, ya que normalmente y siempre hablando respecto al maquillaje, sueles tener tu espejo con tu iluminación y todo suele ser más relajado. En exteriores depende de la ubicación debes maquillar con poca luz, en posiciones más incómodas…

Jota (Fotógrafo): La comodidad del estudio es a tener en cuenta, pero una buena localización te ahorra mucho tiempo en Photoshop y además da un carácter especial a la foto. Así que, pudiendo elegir, me quedo con las dos 😉

Amalia (Modelo): En estudio en invierno, en verano en la piscina, digo en exterior.

-¿Cómo os conocisteis?

Yadira (make up): A través de una red social de intercambios TFCD. Jota buscaba maquilladora para una sesión beauty de otoño y como caía en domingo me pude ofrecer a colaborar con él.

Jota (Fotógrafo): Ídem! 🙂 Además, me gusta organizar las sesiones con un par de semanas de antelación pero esta sesión se organizó en 3 días y tuve la suerte de encontrarme con este grupo de trabajo tan genial. Con Amalia tenía ganas de hacer una sesión, es una amiga en común de Damián Blanco, fotógrafo. La sigo desde hace tiempo en su perfil de modelo y recientemente también de estilista y diseñadora y la verdad es que conocerla ha sido un placer.

Amalia (Modelo): Por el feishbuk

-¿Hay “tercer tiempo” cómo en el rugby? O sea… ¿Os vais a tomar unas cervecitas al acabar la sesión?

Yadira (make up): Normalmente yo no puedo porque al día siguiente tengo que trabajar, o tengo otra sesión. ¡Pero la verdad es que sería lo suyo lo de irse a tomar unas cervezas!

Jota (Fotógrafo): Por favor, ¡sí! Y si puede ser un cuarto tiempo, también! Es tan positivo para el ambiente de trabajo el cortado de antes de la sesión para romper el hielo, como la cervecilla de después para comentar cómo ha ido y qué se puede mejorar para la próxima. Saber si el equipo ha estado cómodo o no… (Aunque esto normalmente ya se ve) y en mi caso, al menos, relajar un poco la cabeza. Acabo agotado mentalmente después de cada sesión.

Amalia (Modelo): Unas cervezas y un pedazo de hamburguesa que nos comimos al acabar que no me la pude terminar de lo grande que era. Las sesiones que acaban así, son el inicio de grandes amistades.

Y hasta aquí la entrevista. Y después de leeros tan solo me queda daros las gracias por vuestra amabilidad para responder al “interrogatorio” y dejar una pequeña muestra del making off de la sesión “Autumn Frame” que con tanto gusto realizasteis.

Muchísimas gracias y un abrazo a los tres.

Making Off

 Making Off1

Making Off2

Making Off3

Vídeo del making-off:


Link directo al resultado final:
https://www.facebook.com/photo.php?fbid=549300328483396&set=pb.247157975364301.-2207520000.1384881776.&type=3&theater

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=549145975165498&set=pb.247157975364301.-2207520000.1384881776.&type=3&theater

Yadira Black Pearl:
https://www.facebook.com/darkshadowmakeup

Amelie de Lolan:
https://www.facebook.com/ameliedelolan
https://www.facebook.com/SweetAmymodel
https://www.facebook.com/ameliedelolan

Jota:
www.facebook.com/jota.sk.fotografia
www.jotaskfotografia.com

Entrevista a José B. Ruiz, maestro e icono de la fotografía de naturaleza


Hoy vamos a comenzar una nueva sección en el blog dedicada a entrevistar a reconocidos fotógrafos. El azar podría haber hecho que empezáramos con cualquier fotógrafo, pero la suerte, la gran suerte de este blog, hará que la comencemos con un verdadero maestro de talla internacional.

José B. Ruiz es un afamado fotógrafo español, nacido en Alicante (1966), y especializado en imágenes de naturaleza. Completamente vocacional y autodidacta, su amor por la naturaleza lo ha llevado a ser uno de los más famosos fotógrafos españoles a nivel internacional y a publicar libros sobre el tema que ya son todo un referente en fotografía.
Participa como jurado en múltiples premios internacionales y también ha sido galardonado en muchos concursos de reconocido prestigio.
Ha colaborado en importantes proyectos como “100% NATURAL”, “Wild Wonders of Europe” o “OBJETIVO PURA VIDA”.
No nos extenderemos mucho más en su biografía puesto que eso daría para otro artículo y el objetivo último de esta entrada es conocer al fotógrafo, sus proyectos, anécdotas y las opiniones de este magnífico profesional.
Comencemos.

-Para una persona como usted, amante de la naturaleza y entregado a revelárnosla con sus fotografías, ¿Qué opinión le merece la destrucción sistemática de nuestra riqueza biológica?
Mi compromiso en este tema surgió ya desde mis primeras fotografías, como demuestran los textos que acompañan a las fotos de mis primeros premios en el Wildlife Photographer of the Year en 2003. Es algo que ya pasa de ser indignante, la naturaleza es expoliada con el beneplácito de la política y siempre se antepone la economía a la conservación. No existe en nuestro país una verdadera conservación de la naturaleza y son muchos los ciudadanos que tienen posturas más maduras que la propia administración. El fotógrafo de naturaleza plasma mundos que se extinguen, en nuestra propia inmediatez, sin que seamos conscientes de ello. Muchas especies están en clara regresión y muchos espacios de gran valor se han perdido frente a la especulación, especialmente en la costa.


-Enlazándolo con la anterior pregunta. Un fotógrafo ha de limitarse a ser mero observador de lo que le rodea documentándolo o piensa que su función ha de ir más allá y su pretensión ha de ser la de remover conciencias. Me explico. ¿Fotografiar simplemente la belleza de la naturaleza sin más ambición o utilizar de forma activa esas imágenes para denunciar la destrucción de ésta?
El fotógrafo que solo hace lo que le gusta adopta una postura egoísta, al igual que el que viaja con su cámara por puro placer. Sin embargo, el trabajo comprometido exige que tomemos partido, especialmente cuando se destruye aquello que amamos y que da sentido a nuestra fotografía. Dentro de cada fotógrafo de naturaleza debe haber un conservacionista que se expresa mediante sus imágenes, de una forma inteligente y crítica.

-De esa inmensa y fructífera colección de imágenes recopiladas a través de años de trabajo. ¿Cuál diría usted que ha sido la más difícil o compleja de obtener? Y añadiría, ¿Qué fotografía es la que usted considera que resume mejor su trabajo?
Qué difícil es tener que elegir. Creo que podría ser una diapositiva de cigüeñas en el parque de los Barruecos, en Extremadura, realizada en plena noche. Con ella empecé mi carrera internacional. Y después hay otras más evolucionadas, que buscan una mayor expresión artística, aunque los contenidos sigan siendo la exaltación y admiración por la naturaleza.


-Ahora entremos en aspectos técnicos. A la hora de efectuar sus fotografías, ¿Confía todo en la inspiración e improvisa sobre la marcha o efectúa un proceso creativo previo para no dejar ningún detalle al azar?
Un fotógrafo completo debe ser capaz de tener visiones, imágenes que se propone realizar y que debe hacerlas posible, buscarlas, proporcionar los medios para hacerlas realidad. Pero también debe saber sacarle partido a los hallazgos casuales y repentinos, aprovechar las circunstancias improvisando. Premeditar e improvisar, ambas permiten obtener buenas imágenes.
-Usted ha sido galardonado con los más prestigiosos premios internacionales de fotografía de naturaleza. Entre ellos, por cuatro veces, el Wildlife Photographer of the Year.
Dando por sentado que su obra se basa principalmente en la difusión, por medio de la fotografía, de la naturaleza en todas sus formas, y que se ha visto refrendado por tantos premios ¿Se siente usted como un Félix Rodríguez de la Fuente o un David Attenborough en fotografía? Y por favor, no sea pudoroso en su respuesta.
La verdad es que me ha hecho más ilusión ser jurado en esos concursos que obtener premios en los mismos. Lo primero es suerte con alguna imagen, lo segundo es como un premio a una trayectoria. No me siento a la altura de esos personajes, los tiempos han cambiado y ahora muchas pequeñas iniciativas de muchas personas tienen que suplir la presencia de grandes comunicadores. No son tiempos de oportunidades, sino de dar ejemplo, como lo hace nuestro sector en conjunto.


– Conectándolo con la anterior pregunta, en que comenté sus galardones en el Wildlife Photographer of the Year, y añadiendo que usted también ha participado como jurado. ¿Qué opinión le merece la polémica que se creó a raíz de la descalificación de la fotografía ganadora, en el año 2010, del fotógrafo español José Luis Rodríguez?
Fue un hecho lamentable que desgraciadamente conozco a fondo. Creo que es algo que pudo ser evitado. Se trata de un hecho aislado que ejemplifica cómo el ansia de reconocimiento puede con los principios éticos.
-Existe una corriente conocida como “ONLY RAW” de la que usted es integrante e impulsor. ¿Qué les diría usted a los fotógrafos que no consideran censurable la manipulación/corrección, más allá de los niveles básicos, de sus fotografías? ¿Sería suficiente, con al menos avisar al observador que lo que está mirando ha sido retocado o en ningún caso se debería aceptar?
Se trata de una postura muy personal que debe ser respetada. Mi decisión es la de buscar la credibilidad del expectador dándole a conocer que en las imágenes no hay retoque de ninguna clase. Hay otros autores con mucho mérito artístico que retocan, pero el resultado ya no es una fotografía. Es un debate desde la propia invención de la fotografía que todavía no se ha concluido. Es sencillo, si en una imagen hay retoque debe ser considerada como tal, de la misma forma que hay acuarelas y óleos en pintura. Es una cuestión de mérito y respeto por el espectador. En ambas el mérito artístico puede ser grande, pero no pueden ser llamadas igual.
-Usted ha viajado por todo el mundo fotografiando la naturaleza. ¿A qué país volvería con los ojos cerrados y a cuál no ha ido todavía y que está deseando hacerlo?
No he viajado tanto como se me atribuye, me gusta mucho trabajar en España y aquí mis fotos pueden resultar de utilidad. Regresaría a Namibia. Nunca estuve en Islandia. Debemos pensar que a veces viajar no resulta sostenible, sobre todo si es por capricho.


-La llegada de la era digital ha democratizado el noble arte de la fotografía, entendiendo democratizar como facilitar su acceso al público en general. Por ello hoy en día no es raro ver por la calle a alguien con su réflex o compacta, e incluso fotografiando con sus móviles de alta gama. ¿Cree que esa explosión ha sido beneficiosa para la fotografía o ha traído más perjuicios a causa de su generalización?
Siempre es bueno tener una cantera de fotógrafos en ciernes y que los niños se familiaricen con la fotografía como herramienta y medio de expresión. ¿Cuántas imágenes se hacen cada día? ¿Cuántas recordamos siquiera unos minutos después? Realizar fotografías memorables con asiduidad requiere de formación, como demostraron los maestros clásicos. La producción de miles de imágenes no asegura que haya alguna de elevada calidad.
-De todos es conocida su participación en proyectos fotográficos con gran éxito de público y crítica. ¿Actualmente está inmerso en algún trabajo o hay alguno próximo a presentarse? En todo caso, y extendiendo la pregunta ¿Podremos disfrutar próximamente de algún nuevo libro suyo en nuestras bibliotecas?
El equipo está trabajando en una línea de streaming de 24 horas de fotografía, ahora tratamos de encontrar un espónsor. Hemos abierto hace muy poco fotohurdes.com, una escuela en la comarca de las Hurdes, concretamente en la aldea de Cambroncino. Los primeros cursos acaban de impartirse. Trabajo en el libro que cierra la trilogía formativa de “El fotógrafo en la Naturaleza” y “Composición en fotografía”, así como en pequeños manuales temáticos.
-Cuéntenos alguna anécdota de esas que todos los fotógrafos rememoramos a la primera oportunidad que nos surge con compañeros de profesión. Esas que por muchos años que pasen siempre recordaremos con una sonrisa.
Hay unas cuantas. Algunas son de África, pero las más divertidas son de los cursos de fotografía nocturna, cuando nos encontrábamos de forma fortuita con la Guardia Civil a altas horas de la noche. Imagínate, quince coches a las tres de la mañana en una playa de Cabo Gata. Por más que avisábamos de la actividad y obteníamos los permisos necesarios había alguna patrulla que no estaba al tanto. Por lo general, la sorpresa y tensión que se producía al principio, registro de maleteros incluido, daba paso al posterior humor.


-Debido a la popularización de la fotografía, cada vez hay más personas aficionadas que se deciden a dar el salto ¿Qué consejos le daría a un fotógrafo que se inicia en la profesión y que tiene dudas sobre como hacerlo?
Lo primero es que lo haga sobre seguro, que no arriesgue, pues los tiempos no son los mejores. Mi consejo es que comience fuera con una agencia internacional, enviando imágenes en stock. Después está el sector editorial, las publicaciones, sin descuidar los proyectos propios y la formación. No es un camino fácil, pero si lleno de satisfacciones.
-Brevemente. Sus tres fotógrafos preferidos y que hayan sido un referente al comenzar esta profesión.
A nivel internacional aprendí con John Shaw, “Nick” Nichols y como no, los clásicos: Blossfeldt, Emerson, Haas, etc.
-Y para finalizar. En una entrevista siempre hay una pregunta que hubiéramos deseado que nos hicieran y que al final no nos realizaron. ¿Qué pregunta le habría gustado que le hubiera hecho? Y respóndala, por favor.
Sobre todo una reflexión, la de permanecer unidos en estos tiempos. Desde AEFONA, la Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza nos preocupa la solidaridad, la atención a los más jóvenes, la ética, la creación de recursos, el fomento de los autores. Debemos procurar que haya relevo generacional y que los jóvenes fotógrafos tengan ejemplos a seguir.


Pues después de este “tercer grado” me gustaría darle las gracias por su predisposición a participar en la entrevista, y sobre todo por su amabilidad a la hora de contestar todas y cada una de las preguntas.
Muchas gracias.

Página web de José B. Ruiz http://www.josebruiz.com/

Si pensáis en comprar algún libro de José B. Ruiz para conocer mejor su obra y sus fotografías aquí tenéis el enlace http://www.josebruiz.com/libros.htm

Fotógrafos: Ansel Easton Adams


Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco y falleció en Carmel el 22 de abril de 1984.

Fue un fotógrafo estadounidense mundialmente conocido por sus imágenes en blanco y negro y, sobre todo, por sus fotografías de paisajes.

Sus imágenes más famosas y relevantes son del Parque Nacional Yosemite de Estados Unidos.  Allá por el año 1916  realizó sus primeras fotografías, donde captó en blanco y negro y en todo su esplendor, la majestuosidad y grandeza de la naturaleza de Estados Unidos.

Sus fotografías revelan, con un formidable juego de luces y sombras, toda la magnificencia de las montañas, nubes, desiertos, árboles, ríos y vegetación de Estados Unidos, y en particular, de toda la belleza original del Parque Natural Yosemite.

Su obra literaria es extensa y variada. Entre los libros que podemos destacar tenemos Yosemite y The Spirit of Wild Places (bajo mi subjetivo punto de vista), aunque su contribución literaria más famosa es la célebre y celebrada trilogía compuesta por La cámara, El negativo y La Copia. En La cámara, Adams efectúa una explicación detallada del funcionamiento de las cámaras fotográficas de la época. En El negativo explica su famoso sistema de zonas -método fotográfico que lo haría mundialmente famoso-. También habla sobre la influencia de la luz, la exposición, la película, etc. Y por último, su libro La copia. En este libro, Ansel Adams nos explica las diferentes técnicas fotográficas en el laboratorio. Revelado, reservas, virados, quemados, etc.

En 1932 funda en California, junto a otros fotógrafos, entre los que destacan Paul Strand, Imogen Cunningham, Henry Swift, Sonya Noskowiak, Williard Van Dike y Edward Weston, la asociación fotográfica Grupo f/64. Con el nombre del grupo deducimos perfectamente las ideas que abrazaban. Defendían el uso del diafragma lo más cerrado posible. Con ello buscaban una gran profundidad de campo y conseguir el control total de todas las zonas de la imagen.

Sistema de Zonas

El sistema de zonas es una técnica de exposición y revelado que debemos a Ansel Adams y F.Archer. No me extenderé puesto que daría, y creo que dará, para otro artículo, tan solo diré que esta técnica permitía sistematizar los parámetros que intervienen en todo el proceso fotográfico y además, proporcionaba unas pautas, basadas en una escala de grises, para obtener fotografías lo más cercanas a la realidad, y tal y como las percibimos autenticamente. Adams creó un método revolucionario para regular la exposición y revelado de negativos con la finalidad de maximizar el control del fotógrafo sobre la imagen impresa final.

Pero volvamos a su biografía.

En su primera visita a Nueva York, hacia el año 1933, conoció a Alfred Stieglitz.
Adams siempre había admirado la lucha de Stieglitz por poner al mismo nivel a la fotografía respecto cualquier otro arte reconocido.

Durante los siguientes años Adams siguió dedicándose a la fotografía, hasta que, en reconocimiento a su gran trabajo, y ya en el año 1936,  Stieglitz le ofreció su galería para que pudiera exponer por primera vez.

Durante los años posteriores, Adams utiliza cada vez más su posición prominente en el mundillo para conseguir la aceptación de la fotografía como un arte reconocido. En 1940 ayuda a fundar el primer departamento dedicado a la fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A lo largo de esta década siguió explorando las técnicas fotográficas hasta que formuló su famoso método de Sistema de Zonas, el cual fue publicado en su libro El Negativo allá por 1948.

La mayor parte de la obra fotográfica de Adams llega hasta el 1950. A partir de esa fecha solo un reducido número de fotografías alcanzará las cuotas de perfección de su primera etapa.
Al haber gastado gran parte de sus energías en la creación artística, y haber dado de lado la cuestión financiera, y por lo tanto, verse en una precaria situación económica, tuvo la necesidad de pedir ayuda a su mentor Alfred Stieglitz en una carta enviada el 6 de agosto de 1953.
Stieglitz  recogió el guante y le ayudó. Fue entonces cuando comenzó a hacer fotografía comercial. Esto no era algo que le entusiasmara especialmente, ya que percibía que el trabajo no le dejaba explotar su faceta creativa.
Trabajó para marcas como IBM, AT&T, National Park Service y Kodak, y también para las famosas revistas Life y Fortune.
También colaboró como fotógrafo asesor para Polaroid en sus comienzos y para Hasselblad.

Estos trabajos le proporcionaron una proyección internacional que, a su vez, convirtió a sus fotografías en verdaderos iconos de la belleza natural estadounidense. Famosas son sus imágenes del Parque Nacional Yosemite, Las Montañas Rocosas, El Gran Cañón del Colorado, Yellowstone, etc.

Fue un conservacionista ardiente y usó su arte para dar a conocer y proteger la naturaleza salvaje norteamericana. Tuvo como objetivo crear conciencia para la conservación del paisaje natural y de la vida animal.

Esta “obsesión” por fotografiar la naturaleza tuvo sus detractores, ya que raramente aparecían personas en sus imágenes. Cartier-Bresson llegó a decir de Adams “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles”.

Para finalizar, os ofrezco la visión de algunas de sus fotografías.
Es un breve resumen de lo que este monstruo de la fotografía nos dejó a todos como legado.

Fotógrafos: Elliott Erwitt


Elliot Erwitt nació en París en 1928 en el seno de una familia de emigrantes rusos. Sus primeros años de vida transcurrieron en Italia, aunque en 1939, a la edad de diez años se trasladó a vivir junto a su familia a Francia.
A los dos años se traslada definitivamente a Estados Unidos, residiendo en Nueva York, para finalmente asentarse en Los Angeles.

A pricipio de los años 50, Erwitt se muda a vivir de nuevo a Nueva York. Dónde, después de viajar por prácticamente todo el mundo, acabó estableciéndose definitivamente.

Mientras estudia en la Hollywood High School, Erwitt trabaja en un laboratorio revelando copias firmadas de estrellas de cine para sus fans. En 1949, sus viajes a Italia y Francia, marcan el inicio de su carrera profesional. En 1951 continúa trabajando como fotógrafo para diversas publicaciones.

En uno de sus viajes de exploración a Nueva York para encontrar trabajo, antes de comenzar el servicio militar, tiene la suerte de conocer a Edward Steichen, Robert Capa y Roy Stryker, a quienes gusta su trabajo y acaban convirtiéndose en sus mentores.

En 1953, justo después de salir del ejército, Elliott Erwitt es invitado a formar parte de Magnum Photo por Robert Capa, uno de sus fundadores. En 1968 se convierte en presidente de la prestigiosa agencia y será reelegido dos veces más.

Su obra es extensa y fructífera.
Una característica principal de sus creaciones es el tono irónico con el que las impregna. Esa particular visión de la fotografía nos ha permitido ver creaciones llenas de humor e ingenio.
Un buen ejemplo, son las fotos mostradas a continuación:

También tiene una larga serie de fotografías con el perro como motivo principal. En estas imágenes juega frecuentemente comparando al dueño con su can. Su particular forma de encuadrar les da un aire especial y divertido. En la mayoría de los casos, el perro es el centro de la toma y no el amo.

Veamos algunos ejemplos.

También cuenta con numerosas fotografías de personajes destacados de su época.
Como por ejemplo:

Che Guevara

Marilyn Monroe

Simone de Beauvoir

Erwitt además, usa su cámara para hacer denuncia social con diferentes instantaneas. Criticando el racismo imperante en EE.UU, o denunciando la durísima vida de veteranos de la Guerra de Korea.

Y para finalizar, os dejo otras imágenes y un video de este magnífico fotógrafo, dónde podremos ver la calidad de sus obras. La expresividad y emotividad conseguidas, y sobre todo la increible capacidad de conmovernos con unas fotografías, aparentemente, sencillas.

Un poco más, en su página oficial en Magnum
http://www.magnumphotos.com/Archive/C.aspx?VP=XSpecific_MAG.PhotographerDetail_VPage&pid=2K7O3R14C5ZB&nm=Elliott%20Erwitt

 

Información recopilada desde:

http://es.wikipedia.org/wiki/Elliott_Erwitt

http://www.halurodepixel.com/2010/08/elliott-erwitt-fotografia-documental-y-humor.html

http://toies.wordpress.com/2010/04/19/elliott-erwitt/

http://www.elliotterwitt.com/lang/es/index.html

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Fotógrafos: Robert Mappelthorpe


El fotógrafo Robert Mapplethorpe nació en Nueva York un 4 de noviembre de 1946 y falleció en Boston un 9 de marzo de 1989.

Alcanzó fama y celebridad por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, fundamentalmente de flores y desnudos. Sus trabajos, con un alto contenido sexual, generaron numerosas polémicas a lo largo de su carrera fotográfica.

Robert Mapplethorpe es considerado hoy por hoy uno de los fotógrafos más controvertidos y polémicos del siglo XX. Cursó estudios superiores en el Pratt Institute de Brooklyn desde 1963 a 1970, donde produjo obras de arte en una variedad de medios de comunicación. No utilizaba aún sus propias fotografías, pero en sus obras incorporaba muchas imágenes fotográficas que conseguía de varias fuentes, incluyendo páginas arrancadas de libros y revistas.

Comenzó a experimentar con una cámara Polaroid que le fue regalada por un amigo, creando imágenes íntimas y únicas de su círculo de amigos y conocidos: artistas, músicos, estrellas del porno y personajes anónimos que visitaban los clubes más underground de Nueva York. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico.

En 1975, adquirió una cámara Hasselblad, y a partir de entonces se apartó del estilo “instantánea” de la Polaroid y se dedicó a la creación de imágenes compuestas y controladas meticulosamente, acentuando la belleza formal de sus composiciones.

Sus primeras polaroids consisten en autorretratos

También hizo una serie de retratos de su amiga , la cantante-artista-poeta Patti Smith

En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica.

Aquí pongo unos ejemplos de sus obras.

-Desnudos:

-Bodegones de flores:

-Artistas y celebridades:

Mapplethorpe produjo una obra consistente que se esforzaba por el equilibrio y la perfección, lo que le colocó entre los principales artistas del siglo XX. Aproximadamente un año antes de su muerte, ya enfermo, Mapplethorpe ayudó a fundar la Robert Mapplethorpe Foundation, Inc. Robert Mapplethorpe falleció en la mañana del 9 de marzo de 1989, en un hospital de Boston,Massachusetts, por complicaciones derivadas del sida, a los 42 años de edad. Sus cenizas fueron enterradas en la tumba de su madre, en Queens, Nueva York. Su nombre no aparece en la lápida, marcada con la palabra Maxey.

La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sado-masoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento.

En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.

El X Portfolio de Mapplethorpe provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment (Robert Mapplethorpe: el momento perfecto), una exposición itinerante financiada por National Endowment for the Arts. El X Portfolio incluye algunas de las más explícitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en su ano.

Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la American Family Association, aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno para lo que llamaban “nada más que la sensacional presentación de material posiblemente obsceno”. Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la “Guerra Cultural Americana”. La exhibición de El momento perfecto en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de “obscenidad y pornografía infantil”. Aunque tanto Barrie como el Centro de Arte Contemporáneo fueron absueltos, una de las consecuencias fue la demostración de lo amenazadoras que las imágenes de homosexualidad masculina podían resultar para el público norteamericano.

Sus fotografías sexualmente cargadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación.

Otro escándalo se suscitó cuando la Corcoran Gallery of Art de Washington D.C. se negó a recibir una exposición de Mapplethorpe, luego de haber acordado su realización. Los responsables de la galería no habían visto las obras de Mapplethorpe y éste decidió presentar los trabajos inéditos “Sexually suggestive” (Sexualmente sugestivas). El debate llegó hasta algunos congresistas que se alarmaron de tantos músculos y penes. Fue entonces cuando salió al ruedo el artista pop Lowell Nesbitt Blair, quien dijo que si el museo no aceptaba las obras el cambiaría su testamento donde les legaba un millón y medio de dólares, cosa que tuvo que hacer porque la Corcoran Gallery mantuvo su negativa. Las fotos, de todas maneras, fueron proyectadas como diapositivas en la fachada de la galería como un acto de protesta organizado por varios artistas y luego se expusieron en las salas del Proyecto de Washington para las Artes, que fue visitada por 4.000 personas.

Y para finalizar, dejo aquí otras de sus obras que, por su interés estético, creo que pueden ayudar a entender mejor la obra de este gran fotógrafo.

Fuentes del artículo:

http://mariagimenez.wordpress.com/2010/07/26/robert-mapplethorpe-3/

http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Mapplethorpe

http://www.fotomundo.com/nota.php?id=1486

Fotógrafos: Chema Madoz


José María Rodríguez Madoz (Chema Madoz, Madrid 1958) es un reputado fotógrafo español contemporaneo.
Comenzó a cursar sus estudios de fotografía en el Centro de enseñanza de la Imagen, mientras los simultaneaba con sus estudios de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid.
Ha realizado numerosas exposiciones en España y en el extranjero, consiguiendo el respeto de la crítica y una gran popularidad, cosa difícil para un fotógrafo actual.

Amante de la fotografía en blanco y negro, juega con objetos cotidianos para sorprendernos con composiciones llenas de imaginación y fantasía.

En la Wikipedia podemos encontrar información más extensa acerca de su biografía y logros.

Algunos ejemplos de su estilo fotográfico son estos:


Fotografía: Chema Madoz


Fotografía: Chema Madoz


Fotografía: Chema Madoz


Fotografía: Chema Madoz

Si queréis ver y saber más de su extensa y magnífica obra, podéis visitar su página web.

¿Qué significa ser fotógrafo?


Complicada pregunta.
¿Qué significa ser fotógrafo?.
Unos dirán que es un modo de vida….otros que es una forma de canalizar nuestras inquietudes artísticas.
Quizás un intento de hacer que los demás vean el mundo a través de nuestros propios ojos.

En todo caso, ser fotógrafo implica la búsqueda constante de momentos únicos, íntimos y especiales. Quizás también escenas duras y violentas, por qué no.
Pero toda esa búsqueda acaba con un click.
Un momento maravilloso en que congelamos el tiempo con una imagen.

Los sentimientos que probablemente nos surgirán al ver una fotografía es el mejor ejemplo de qué significado tiene la palabra fotógrafo.
El instante captado, y no otro, nos hará entender la escena sin haberla presenciado. Nos transportará a un lugar lejano sin movernos de casa. Nos hará soñar, reir y llorar, pensar…….Nos hará sentir.

Pondré una fotografía que se ha hecho mundialmente famosa en los últimos días para entender qué pretendo decir.
Esta es la foto.


Fotografa: Monica Szczupider

En la imagen unos chimpancés asisten desolados al traslado de un miembro muerto del grupo. Dicha fotografía ha sido publicada en el número de noviembre de National Geographic.
Pero para entender la foto, explicaré un poco la trastienda de esta imagen.

En la fotografía podemos ver el cuerpo inerte de Dorothy.
Esta hembra de chimpancé perdió a su madre a manos de un cazador. Luego fue vendida como mascota y pasó sus primeros veinticinco años de vida, atada con una cadena en un parque de atracciones.
Fue rescatada y llevada al Centro de Recuperación Sanaga-Yong de Camerún.
El estado en que llegó era lamentable. Estaba falta de ejercicio, al estar inmovilizada tantos años, y su dieta había sido pobre e inadecuada.
Poco a poco se fue recuperando, y a medida que mejoró su salud su bondad afloró.
No tardó mucho en adoptar a un chimpancé huérfano llamado Bouboule, y también entabló amistad con otros miembros del grupo.
Finalmente el 23 se septiembre de 2008, Dorothy, una chimpancé hembra de 40 años de edad, falleció por una insuficiencia cardiaca.

Pero para entender mejor la escena, habría que leer las palabras de la persona que hizo la fotografía:
“Su presencia y su pérdida fueron palpables y afectaron a todo el grupo. La dirección del centro Sanaga-Yong optó por dejar que la familia de chimpancés presenciara el entierro de Dorothy para que, tal vez a su manera, comprendieran que Dorothy no iba a regresar. Algunos chimpancés se mostraron agresivos; otros, frustrados. Pero quizá la reacción más asombrosa fue un silencio casi palpable. Si uno conoce a los chimpancés sabe que son cualquier cosa menos criaturas silenciosas”.

¿Habríamos entendido de igual forma esta historia sin su imagen?. Yo creo que no.
El sentimiento de tristeza en las caras de los chimpancés nos hace entender la magnitud de la tragedia. De su tragedia.
La fotografía nos traslada por unos momentos su dolor.
El dolor por la pérdida de un ser querido.

Todos esos sentimientos que nos afloran, los ha conseguido el fotógrafo al captar la imagen en el momento justo.
Pues amigos……….Eso es ser fotógrafo.

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